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ESCENA VIVA MAGAZINE CULTURAL

SERVANDO Y FLORENTINO VUELVEN EN UNA NOCHE INTIMA

SERVANDO Y FLORENTINO VUELVEN EN UNA NOCHE INTIMA

 

El próximo 24 de octubre en el Anfiteatro El Hatillo

Servando y Florentino vuelven en un concierto acústico

Los famosos hermanos Primera se reencontrarán con el público venezolano en este recital íntimo, sólo para 600 personas, a beneficio de la Fundación Casa Hogar Al Fin

El próximo 24 de octubre, a partir de las 8:00 pm, el Anfiteatro El Hatillo abre sus puertas para recibir a los hermanos Servando y Florentino Primera, quienes ofrecerán un concierto íntimo y acústico, sólo para 600 personas, a beneficio de la fundación Casa Hogar Al Fin, que atiende las necesidades de niños abandonados por madres adolescentes.

Los famosos hermanos Primera se reencontrarán con su público venezolano en este recital unplugged, en el que interpretarán lo mejor de su repertorio, donde se incluyen temas como "Una fan enamorada", "Si yo fuera tú", "Una canción que te enamore", "Me duele quererte", entre muchos otras en el género salsa y balada pop.

Servando y Florentino vienen de presentarse en una gira de conciertos de verano en España. Actualmente se encuentran grabando en Miami su séptimo álbum de estudio, el cual está producido por Yasmil Marrufo y Cuto Soto y cuenta con baladas pop y salsas de la autoría de ambos intérpretes.

Las entradas para este único recital en Venezuela de los hermanos Primera tienen un valor de 100 bolívares fuertes y se encuentran ya a la venta en el Anfiteatro de El Hatillo. El 100% de lo recaudado será donado a la fundación Casa Hogar Al Fin.

Esta fundación está ubicada en el Sector Caraballeda, Estado Vargas. Abrió sus puertas en septiembre de 2007 y alberga a más de 30 niños con edades comprendidas entre los 18 meses y los 14 años de edad. Cuenta con la colaboración de psicólogos, médicos especialistas y profesores en distintas áreas. Los niños en la casa hogar, entre otras actividades, reciben tareas dirigidas, clases de computación, inglés y música. La fundación emplea a 20 personas y su dirección está a cargo de María Elena Marcano. La formación católica es impartida por la congregación Pequeña Obra de la Divina Providencia.

 

LA EDAD DE ORO DEL CINE VENEZOLANO DE NUEVO A LA PANTALLA

LA EDAD DE ORO DEL CINE VENEZOLANO DE NUEVO A LA PANTALLA

 

Sergio Marcano y Philip Toledano dirigen las dos piezas

Lo mejor de los 70’s y 80’s forman la muestra

La Edad de Oro del Cine Venezolano, un documental en dos partes sobre el "boom" del cine nacional de los setenta y los ochenta, realizado por el joven cineasta Sergio Marcano y el veterano Philip Toledano, se estrena el próximo 9 de octubre en la Sala CINEMATECA -CELARG.

 

La primera parte de La Edad de Oro del Cine Venezolano, que comprende el impulso de la industria cinematográfica nacional en los años setenta, se mostrará el jueves 9 de octubre en la Cinemateca-Celarg, y la segunda, el desarrollo que tuvo esa industria en la década de los ochenta, el jueves 30 de octubre, en la misma sala.

 

Ambos documentales se soportan en las entrevistas a quienes impulsaron la creación del Fondo de Fomento Cinematográfico -el actual CNAC- y apostaron por una industria nacional del cine y las de un grupo de realizadores de la talla de Román Chalbaud, Clemente de la Cerda, Mauricio Wallerstein, Thaelman Urgelles, Solveig Hoogesteijn, entre otros, y con material de archivo de "Sagrado y Obsceno", "Soy un delincuente", "Domingo de Resurrección", que junto a otras cintas fueron grandes éxitos de taquilla nacional.

 

Esos documentales son el resultado de tres años de investigación y producción y según uno de sus realizadores, Sergio Marcano, "...permitirán entender las razones y el devenir de este segmento de industria cultural venezolana ya que muestra un cine desligado de la cultura oficial, que incluso dinamitaba las estructuras de las castas partidistas del momento, un cine con ideología sociopolítica clara, que desnudaba el alma del venezolano medio y que sin paqueterías, ni medias tintas, nos mostraba cómo era nuestra sociedad, con sus defectos e imperfecciones y las luchas por superarlos. Era un cine con agallas, con corazón, con alma, que mostraba nuestra realidad... lo que veremos en constituyen un relato vivo de nuestra historia cinematográfica más cercana, importante en un país que tiende a no prestar atención al conocimiento de su historia, para una mejor comprensión del presente".

 

La producción de La Edad de Oro del Cine Venezolano, contó con el apoyo financiero del Centro Nacional de Fotografía (CNAC) y la labor de la productora Tango Bravo, bajo la dirección de Philip Toledano, con colaboración de Verónica Rotondaro, Coordinadora de producción, Patricia Ramírez, productora de post producción, Ricardo González, diseñador gráfico del documental sobre el cine de los 80 y la edición y montaje también de Sergio Marcano..

 

Estos documentales prometen reactivar la discusión siempre vigente sobre el cine venezolano, del cual muchos denigran y otros aplauden.

Programación:

 

CINEMATECA - CELARG:

Jueves 9 de octubre, 7:00 p.m. Viernes 10 y Sábado 11 de octubre, 5:00 p.m.

La Edad de Oro del Cine Venezolano (Años 70)

 

30 de octubre, 7:00 p.m. y 31 de octubre, 5:00 p.m.

La Edad de Oro del Cine Venezolano (Años 80)

CINEMATECA - GAN

Sábado 11 y Domingo 12 de octubre, 2:00 p.m.

La Edad de Oro del Cine Venezolano (Años 70)

 

 

FICHA TÉCNICA

PRODUCCIÓN EJECUTIVA

Diana SÁNCHEZ

Philippe TOLEDANO

 

UNA PELICULA DE

Philippe TOLEDANO

Sergio MARCANO

GUIÓN

Sergio MARCANO

 

COORDINACIÓN DE PRODUCCIÓN

Verónica ROTONDARO

 

PRODUCCIÓN DE POST PRODUCCIÓN

Patricia RAMÍREZ

 

FOTOGRAFÍA

Thierry AMELER

MONTAJE

Sergio MARCANO

 

CÁMARA AUXILIAR

Paolo COLARINO

César RICO

Sergio MARCANO

Pablo DE LA BARRA (Jr)

Lorena VÁSQUEZ

MEZCLA

Fahil Flores

MÚSICA

Miguel Ángel FUSTER

ANIMACIÓN

Vanessa RODRÍGUEZ

 

DISEÑO GRÁFICO

Gian Paolo LANZAFAME (Los 70)

Ricardo González (Los 80)

 

LOS PROTAGONISTAS

DIRECTORES

 

Román CHALBAUD

Mauricio WALERSTEIN

Manuel DE PEDRO

Luis Armando ROCHE

Enver CORDIDO

Antonio LLERANDI

Alfredo ANZOLA

Pablo DE LA BARRA

Franco RUBARTELLI

Luis CORREA

César BOLÍVAR

Solveig HOOGESTEIJN

José ALCALDE

 

 

GERENTES CULTURALES

 

Marianela SALETA

Claudia NAZOA

FOTOGRAFOS

 

José JIMÉNEZ

Pedro LAYA

Jhonny SEMECO

 

ACTORES

Orlando ZARRAMERA

Víctor CUICA

Miguel Ángel LANDA

Julie RESTIFO

Juan Manuel LA GUARDIA

Elba ESCOBAR

Pedro LANDER

Daniel ALVARADO

CRÍTICOS DE CINE

 

Pablo ANTILLANO

Héctor CONCARI

 

GUIONISTAS

 

Rodolfo SANTANA

 

 

LISTA DE LOS PRINCIPALES FILMES

Cuando quiero Llorar no Lloro. Mauricio Walerstein- (1973)

El mismo día nacen tres jóvenes de distintas clases sociales que llevan por nombre Victorino. El de clase media está dedicado a la lucha subversiva, el de clase alta es despreocupado e irresponsable y el de clase baja es un delincuente.

Juan Vicente Gómez y su época. Manuel de Pedro. (1975)

La figura de Juan Vicente Gómez y su periodo de gobierno han generado posiciones enfrentadas sobre su trascendencia en la sociedad venezolana. Para unos ha sido la dictadura más larga y feroz que haya tenido el país. Para otros es el tiempo de la pacificación nacional.

Santana. Andrés Agustí, Alfredo Anzola, Mario Nazoa, Kurwenal Robles, Belén Rojas, Juan Santana, Fernando Toro. (1974)

Documental que recoge una gira de conciertos del famoso guitarrista.

El Cine soy yo. Luis Armando Roche. (1974)

Un hombre capaz de realizar múltiples oficios, decide irse al interior del país a proyectar cine, en su travesía conoce a un niño y una francesa que lo ayudan en su labor y lo acompañan en su recorrido.

Soy un Delincuente. Clemente de la Cerda. (1976)

Desde temprana edad Ramón Antonio Brizuela supo lo que eran las calles, los retenes y las cárceles, allí aprendió a robar, golpear, violar y hasta matar. Su defensa es su propia violencia.

Canción Mansa para un Pueblo Bravo. Giancarlo Carrer. (1976)

Gilberto llega a la capital con la idea de encontrar un trabajo honesto. Conoce a Freddy, ladrón y marihuanero, que le enseña el camino más fácil para subsistir. Después de desempeñarse en diversos empleos, se da cuenta que la única manera de sobrevivir en la ciudad es siguiendo el camino que Freddy le enseñó.

Los Tracaleros. Alfredo Lugo. (1976)

Nico y Musiquito, delincuentes marginales, junto a una bella camarera de un lujoso hotel, sufren el acoso de una feroz cacería, por aire y por tierra, que una organización desata en contra suya.

Mientras son perseguidos, los solitarios delincuentes se dedican a sus pequeñas andanzas hamponiles, sin imaginarse la magnitud del poder que sus perseguidores poseen.

El círculo se va cerrando paulatinamente y el presagio de la muerte cada vez se aproxima un poco más al hecho como algo inexorable.

 

Crónicas de un Subversivo latinoamericano. Mauricio Walerstein. (1975)

Corren los turbulentos años 60, los años del "disparen primero averigüen después", en Vietnam va a ser asesinado un guerrillero acusado de matar al secretario de defensa de USA. En Venezuela un grupo de izquierda secuestra a un coronel del ejército americano para intentar liberar al vietnamita.

 

El Pez que Fuma. Román Chalbaud. (1977)

Jairo un adolescente llega a un burdel, buscando trabajo, después de algunas dificultades con algunos miembros del local consigue trabajo como cuidador de baños.

Dimas el amante de "la Garza" la regenta del local acepta progresivamente la presencia del joven, considerándolo su asistente en las tareas del prostíbulo. Simultáneamente Jairo va logrando el interés de "la Garza" y destruyendo la posición del jefe en el prostíbulo que ostentaba dimas.

El Cine Soy Yo. Luis Armando Roche. (1977)

Después de ser buhonero, fotógrafo de plaza, locutor de radio, policía, mecánico, Jacinto se convierte en proyeccionista ambulante de cine.

Recorre los pequeños pueblos, llevando la magia del cine a los más recónditos parajes, en el camino, un niño huérfano de 11 años se ofrece para acompañarlo, y una bella y misteriosa turista francesa se incorpora al grupo para buscar nuevas experiencias.

Se solicita muchacha de buena presencia y motorizado con moto propia. Alfredo Anzola. (1977)

Alexander y su amiga Diosa, empiezan a trabajar en una mueblería. Alexander sospecha que el dueño esta involucrado en un negocio turbio. Ante Grau Klein ellos hacen que no se conocen, averiguan de sus actividades y Alexander decide aplicarle un poco de su propia medicina, haciéndole ver que el representa a una poderosa organización, y que trabaja en su mueblería solamente para proponerle un buen negocio.

La Empresa Perdona un momento de Locura. Mauricio Walerstein. (1978)

Mariano Núñez, obrero especializado, 48 años de edad, súbitamente sufre una crisis nerviosa en la fábrica a la que ha servido durante 20 años. Rompe máquinas, arremete a sus compañeros, destruye los vidrios, la empresa decide mandar a Mariano a ser atendido por la prestigiosa Psiquiatra Liliana Gonzaga, que buscará esclarecer su conducta y adaptar a Mariano de nuevo al trabajo.

Mariano será sometido a una terapia que lo enfrentara a una realidad, que lo obligará a escoger entre la solidaridad con sus compañeros en la fábrica o la aceptación y adaptación al medio.

País Portátil. Iván Feo y Antonio LLerandi (1978)

En el transcurso de un viaje realizado en autobús, Andrés Barazarte, heredero del destino de una vieja familia provinciana, hecha de guerreros y terratenientes hace un recuento mental.

La muerte del abuelo; los relatos de este sobre los legendarios alzamientos, la marchita juventud de su tía Ernestina, burlada por un cazador de fortunas; las peripecias de su tío-abuelo José Eladio, bohemio en constante parranda; las tribulaciones de su padre en el infeliz empleo de un campo petrolero; su propia historia política; el amor de Delia, su compañera.

Cada una de estas historias incide sobre el trámite indeciso de Andrés aplastado por la gran ciudad.

En Venezuela Es La Cosa. Giancarlo Carrer. (1978)

Documental de larga duración que recoge de forma directa variados aspectos de la sociedad venezolana. Su intención es dar una visión real, acentuando el carácter costumbrista, abierto y tradicional de nuestras formas de vida. Con este planteamiento caben infinidad que arañan en lo trágico, lo cómico, lo tierno y lo violento.

El rey del Joropo. Carlos Rebolledo. (1978)

La película trata de mostrar el mundo de Alfredo Alvarado; utilizando sus cuentos, como eslabones de una cadena que sin estar unidos en el tiempo da una idea de aspectos de la vida en Venezuela, como lo son la televisión, la prensa, el ejército, la policía, el mundo del espectáculo, la iglesia, y el mundo carcelario.

 

Queridos Compañeros. Pablo de la Barra. (1979)

Vicente y José son activistas de una organización política de izquierda en el chile de Eduardo Frei, a pesar de tener orígenes políticos distintos. Juntos participarán en la planificación y ejecución de una acción armada, en medio del clima de discusión política que caracterizó la víspera de la llegada al poder de la unidad popular del Salvador.

Ledezma el Caso Mamera. Luis Correa. (1981)

Argenis Ledezma, un oficial de la policía metropolitana, ha sido encarcelado por asesinar a tres jóvenes, quienes presuntamente mantenían relaciones íntimas con su esposa. Ledezma y diversas personalidades de estrecha relación con los acontecimientos, relatarán cómo fue la captura y reconstruyen el móvil de homicidio.

 

Los Criminales. Clemente de la Cerda. (1982)

Dos parejas se reúnen en una mansión para pasar el fin de semana. Dos muchachos entran en la misma para robar creyéndola deshabitada.

A los conflictos propios de unos seres acomodados y aburridos de la vida, se enfrentan esos dos jóvenes atrapados en un juego macabro. Los esfuerzos para sobrevivir y por controlar a sus captores, llevan a este grupo a desencadenar la más despiadada violencia.

 

Domingo de resurrección. César Bolívar. (1982)

Una familia de clase media integrada por 6 personas: León Camacho y su esposa, la hija y dos amiguitos, va a la playa a pasar semana santa; al final de la tarde de domingo de resurrección muere la mama de la señora Camacho, de muerte natural y empiezan las diversas situaciones entre trágicas y cómicas, hasta el punto de ser robado el vehículo en que se desplaza la familia Camacho, en cuya parrilla reposa el cuerpo de la fallecida señora.

Cangrejo de Román Chalbaud. (1982)

El secuestro de un muchacho proveniente de una familia adinerada y la muerte del mismo, desencadena una amplia investigación que conduce a descubrir las ramificaciones más insospechadas y un submundo de putrefacción social en las altas esferas.

Homicidio Culposo. César Bolívar. (1984)

Gabriel Martínez, se ve involucrado en el asesinato de un actor, quien fuera víctima de un disparo "artístico" accionado por su esposa y compañera en la obra teatral. ¿Accidente? ¿Alevosía? Todos los personajes relacionados con la pareja son sospechosos. El desafortunado sigue una pista, tras una verdad que al final es suya. Homicidio Culposo es una película de acción cotidiana, dentro del marasmo social venezolano.

Operación Chocolate. José Alcalde (1984)

Rafa y Cheo, que luego resulta ser Chela, son dos niños que para probar su valor deciden pasar la noche encerrados en un supermercado, los vigilantes los confunden con ladrones y se produce un inusitado despliegue policial.

Macho y Hembra. Mauricio Walerstein. (1984)

Ana Alicia y Daniel, se conocieron en la famosa huelga de estudiantes en 1973, sin darse cuenta, los tres, se terminan relacionando sentimentalmente, completando un triángulo donde Daniel no está dispuesto a compartirlas con nadie.

 

Oriana. Fina Torres. (1985)

Luego de 20 años de ausencia, María regresa a la hacienda donde pasó algunos días durante su adolescencia. Mientras recorre la casa, redescubre las sombras, los dobles juegos, los semblantes de aquella época. Poco a poco van apareciendo los fantasmas de Oriana, el padre, Fidelia, la sirvienta Sergio su medio hermano y amor prohibido. Reviviendo las memorias de su tía Oriana, María toma posesión de la extraña herencia, como un destino del que no se puede escapar.

Colt Comando. César Bolívar. (1986)

Gumersindo Peña, Sub-Inspector del escuadrón de inteligencia policial, se encuentra tras la pista de una intrincada red de narcotraficantes. En sus encarnizas pesquisas, Peña descubre la vinculación de destacadas personalidades con la organización delictiva, y ubica a los cabecillas en el alto mundo del turismo, la política y el ambiente militar. El Sub-Inspector Peña es expulsado del cuerpo del policía, pero más empecinado que nunca, decide asumir el esclarecimiento del caso por su cuenta, provocando una serie de violentos hechos que finalizan en un espectacular operativo.

 

El Escándalo. Carlos Oteyza (1987)

Antonio Campos, joven ejecutivo de petróleos nacionales, es hábilmente inducido por expertos revendedores de petróleo a suministrar información confidencial de las ventas de la empresa. Alcanza así una buena posición, pero su matrimonio entra en crisis. Al final Antonio y los demás petroespías son descubiertos y detenidos, pero salen del país absueltos por falta de pruebas.

 

Macu. Solveig Hoogesteijn. (1987)

¿Qué sucede cuando una niña de 11 años se casa con un hombre 20 años mayor? Lo inevitable, en la adolescencia, fase de rebeldía, de la búsqueda de una identidad propia, Macu la mujer niña se enamora de Simón, el osado joven, reta a Ismael, el marido de Macu, como hombre y como policía armado.

El barrio los observa, comenta y canta, Ismael actúa, Simón y sus dos amigos desaparecen. No hay testigos ni cómplices sólo víctimas desaparecidas. Pero Macu no acepta el veredicto inexorable. Macu la Mujer del Policía, es la historia de un amor, de una pasión inevitable de los que están unidos por el mismo sino.

 

 

 

TCM TRAE UN MES DE HORROR PARA TI

TCM TRAE UN MES DE HORROR PARA TI

 

                                                              Peliculas claves del genero de horror son el plato fuerte

Monstruos míticos, casas embrujadas, posesiones y amenazas de este y otros mundos en octubre

TCM, el canal que ofrece lo mejor del entretenimiento clásico, presentará todos los miércoles y sábados de octubre el especial The TCM Horror Picture Show, un contundente compendio de las historias, los personajes, las temáticas y los nombres que conforman la tradición del terror como género cinematográfico.

 

El show da inicio con la dinastía más importante que ha dado a luz el género. Y como una semana no es suficiente, hemos dedicado dos para celebrar a los Monstruos de la Universal: Drácula, Frankenstein (y toda su prole), La momia, El hombre lobo, El monstruo de la laguna negra, El hombre invisible, El fantasma de la Ópera... Y bajo las interminables capas de maquillaje, los mitos que las animan como Bela Lugosi, Boris Karloff y Lon Chaney Jr.

 

Para los espectadores cómodamente sentados en la seguridad de sus hogares, nada mejor que una Semana de terror puertas adentro con los clásicos que hacen de cuatro paredes una trampa: desde la mansión maldita diseñada y habitada por Boris Karloff en El gato negro con cámaras de tortura y largos pasillos decorados con cadáveres de mujeres momificadas; hasta la acogedora casa en los suburbios de El increíble hombre menguante, en la que, a medida que un hombre comienza a empequeñecer, su -hasta entonces- confortable y seguro hogar se transforma en una amenaza; pasando por El Resplandor y su gigantesco hotel construido sobre un cementerio indio, donde Kubrick se desmarca del tópico de la casa embrujada con tenebrosos aires góticos, de los juegos de sombras y las escaleras en espiral logrando que el terror surja de espacios amplios y claros.

 

Y si alguien creía que la salvación se encuentra puertas afuera, no tendrá lugar a donde escapar... Desde otros mundos llega Terror del espacio exterior: los extraterrestres se dejan ver con tres grandes títulos de terror sideral, incluyendo La Cosa de John Carpenter, clásico en el que una nauseabunda masa gelatinosa puede imitar a cualquier ser vivo y de su forma en constante mutación surgen -y en los momentos más asombrosos, se funden- todas las criaturas del Universo que "la cosa" ha imitado.

 

Si de bestias se trata, pájaros, tiburones, tarántulas y panteras se ponen al tope de la pirámide alimenticia en una semana en la que la naturaleza se revela contra el hombre... porque el show no es show (de terror) hasta que llegan los Malditos animales.

 

Pero la pesadilla no acaba... En el último día del mes, el de las brujas y las siniestras calabazas sonrientes, TCM propone un Especial de Halloween que recorre desde el expresionismo alemán a la Hollywood con Los Crímenes de la calle Morgue hasta el terror sin frenos de Christine, la genial realización de Carpenter, que revela que un auto puede ser más vengativo que el mismísimo Charles Bronson.

 

Todos los miércoles y sábados de octubre a partir de las 6:30 p.m. y el viernes 31 a partir de las 12:30 del mediodía.

 

Monstruos de la Universal

Miércoles 8

8:30 p.m.El hombre lobo (The Wolf Man) (1941)

Lon Chaney Jr. interpreta a Larry Talbot, el hijo de un noble inglés que regresa a su pueblo natal luego de la muerte de su hermano. Allí, visita una feria gitana junto a dos amigas. Cuando una de ellas es atacada por un lobo, Larry mata a la fiera, pero en la lucha ésta lo muerde. La sorpresa llega cuando la policía encuentra el cadáver de Bela (Bela Lugosi), uno de los gitanos. La madre de Bela le advierte a Larry que la mordida le provocará un extraño fenómeno: en cada noche de luna llena, el joven se convertirá en un hombre lobo.

 

9:45 p.m.- La momia (The Mummy) (1932)

Luego de su exitosa interpretación de Frankenstein, Boris Karloff encarna a La Momia. En 1921, un equipo de arqueólogos liderado por Joseph Whemple (Arthur Byron) descubre en Egipto la momia del príncipe Im-Ho-Tep (Karloff), sepultado vivo por sacrilegio. En el lugar, el grupo también halla un misterioso papiro capaz de regresar a un muerto a la vida. Eso mismo sucede con Im-Ho-Tep cuando alguien lee el papiro.

 

11:00 p.m.Frankenstein contra el hombre lobo (Frankenstein Meets the Wolf Man) (1943)

Tras su exitoso film de 1941, todos daban por muerto al hombre lobo Larry Talbot (Lon Chaney Jr.), pero la Universal decidió revivirlo. La tumba del hombre lobo es profanada y la criatura vuelve a la vida. Angustiado, Talbot acude a la gitana Maleva, quien le aconseja que recurra al doctor Frankenstein. Pero el científico está muerto y sólo hay una solución: que las fuerzas vitales del hombre lobo sean transferidas al cuerpo del monstruo de Frankenstein (Bela Lugosi). Con la ayuda del doctor Mannering, el lobizón se enfrentará a su monstruoso rival.

 

12:35 p.m.- Universal Horror

Narrado por el actor Kenneth Branagh, este documental rescata la historia de los monstruos más famosos de los estudios Universal entre los años ‘20 y ‘50. Dirigido por Kevin Brownlow, Universal Horror es un recorrido por el detrás de escena de personajes que se convirtieron en íconos de la cultura norteamericana como Drácula, Frankenstein y El hombre lobo, entre otros.

 

Sábado 11

8:30 p.m. - Drácula (Dracula) (1931)

Con este film de Tod Browning, Bela Lugosi marcaría para siempre la caracterización del conde Drácula. Basada en la novela de Bram Stoker, comienza con el viaje del vampiro desde los Cárpatos hasta Londres. Allí conoce a Mina Harker (Helen Chandler). Enamorado de la joven, el Conde comienza a visitarla para beber su sangre y convertirla en su esposa. Pero la salud de Mina se deteriora y su familia decide acudir al profesor Von Helsing (Edward Van Sloan).

 

9:45 p.m.- La hija de Drácula (Dracula’s Daughter) (1936)

En 1936 el conde Drácula volvió a las pantallas con esta producción de Lambert Hillyer en la que Gloria Holden encarna a la condesa Marya Zaleska, hija del famoso vampiro. Tras aniquilar a Drácula, el profesor Von Helsing es acusado de asesinato. Mientras, Marya se hace cargo del cadáver de su padre. Pero su pasión por la sangre pronto comienza a despertarse...

 

11:00 p.m.- El hijo de Drácula (Son of Dracula) (1943)

Lon Chaney Jr. logró interpretar a los monstruos más emblemáticos de Universal: el Hombre Lobo, el monstruo de Frankenstein, la Momia y Drácula. La historia comienza cuando el Conde Alucard (Chaney Jr.) se instala en los Estados Unidos. Allí conoce a Katherine, estudiante de fenómenos ocultos, que acepta ser su esposa. Pero las extrañas conductas de la mujer de Alucard alarman a su ex novio Frank, quien deberá destruir al Conde Drácula y rescatar a la Katherine.

 

12:35 p.m.- La mansión de Drácula (House of Dracula) (1945)

El Conde Drácula, Frankenstein y el Hombre Lobo vuelven a reunirse en esta secuela de La Guarida de Frankenstein, también dirigida por Erle C. Kenton. Drácula (John Carradine) acude al consultorio del psiquiatra Edelman en busca de una cura. El hombre lobo (Lon Chaney Jr.), en tanto, llega al mismo consultorio queriendo remediar la maldición que lo convierte en lobizón. Intenta suicidarse saltando desde un acantilado, pero así descubre una red de cuevas subterráneas donde habita el monstruo creado por el doctor Frankenstein (Glenn Strange).

 

>> Terror puertas adentro

Miércoles 15

8:30 p.m.- El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man) (1957)

9:55 p.m.- Poltergeist: juegos diabólicos (Poltergeist) (1982)

12:00 p.m.La mansión de los espectros (The Haunting) (1963)

 

Sábado 18

8:30 p.m.- El Resplandor (The Shining) (1980)

10:30 p.m.- El gato negro (The Black Cat) (1934)

11:40 p.m.- Psicosis (Psycho) (1960)

 

>> Malditos animales

Miércoles 22

8:30 p.m.- El cuervo (The Raven) (1935)

9:35 p.m.- Tarántula (Tarántula) (1955)

11:00 p.m.- Los pájaros (The Birds) (1963)

 

Sábado 25

8:30 p.m.- Tiburón (Jaws) (1975)

10:40 p.m.- La marca de la pantera (Cat People) (1982)

 

>> Terror del espacio exterior

Miércoles 29

8:30 p.m.- La cosa (The Thing) (1982)

10:20 p.m.- Llegaron de otro mundo (It Came from Outer Space) (1953)

11:45 p.m.- La mancha voraz (The Blob) (1958)

 

>> Especial de Halloween

Viernes 31

12:30 mediodía- El rayo invisible (The Invisible Ray) (1936)

1:55 p.m.- La torre de Londres (The Tower of London) (1939)

3:20 p.m.- Los crímenes de la calle Morgue (Murders in the Rue Morgue) (1932)

4:30 p.m.- El enigma de otro mundo (The Thing from another World) (1951)

8:30 p.m.- El ansia (The Hunger) (1983)

9:55 p.m.- Christine (1983)

12:00 p.m.- Videodrome (1982)

 

TCM Classic Hollywood es el servicio de televisión por cable y satélite de Turner Broadcasting System Inc. (TBS, Inc.) que ofrece el mejor entretenimiento clásico, transmitiendo películas, series y documentales exclusivos de producción propia. TCM Classic Hollywood transmite su programación 24 horas al día para Latinoamérica y el Caribe, sin censura y sin cortes comerciales durante la emisión de películas. El canal, que llega a 15 millones de suscriptores en toda la región, está doblado al español y tiene disponible la opción de SAP en inglés.

 

www.tcmla.com

 

LUIS SILVA Y SU SEÑORITA TENTACIÓN ARRAZAN EN VENTAS

LUIS SILVA Y SU SEÑORITA TENTACIÓN ARRAZAN EN VENTAS

 

El artista prepara gira nacional para celebrar sus 25 años de vida artística.

La canción esta ubicada en el segundo lugar del Record Report .

El cantautor venezolano Luis Silva ha vuelto al ruedo musical con un CD de compilado de sus canciones inolvidables con nuevos arreglos y dirección, guardando siempre la esencia de su primera grabación. Se trata de un CD que lleva por título "Recuerdos", está distribuido por Sonográfica y está batiendo records de ventas.

Recuerdos contiene temas de este barinés que tanto éxitos le ha brindado como "Señorita tentación", que actualmente se encuentra en la antesala (2do.lugar) de honor de la cartelera del Record Report. Otros surcos que resaltan en esta nueva producción son "Un compromiso", "Ojos del Amor", "Marcado", "Lo que más quiero", Algo Más" entre otras canciones que han sido pilar fundamental en la historia musical de este barinés de corazón universal, que ha llevado el sonido y la tradición de nuestra música más allá de nuestras fronteras.

Esta producción de Luis Silva forma parte de la celebración de sus 25 años de vida artística, bajo la dirección ejecutiva de Joel Leonardo Jr., quien funge como uno de los promotores del género con más experiencia y éxito en territorio venezolano y en el exterior.

En este compilado, trabajaron músicos de gran prestigio como Carlos Tapia en el arpa, Ramón Mota en el cuatro, Ernesto Laya en la ejecución de las maracas, Aldemar Paz en el bajo y Ever Rodríguez, entre otros.

Luis Silva se ha destacado desde el inicio de su carrera como el propulsor del revival de la música llanera. Sus canciones y su forma de interpretarlas han conquistado muchos corazones -nacional e internacional-, y su éxito rebasó las expectativas comerciales, musicales y profesionales. Sus temas llegaron al público venezolano de tal manera que cinco de ellos fueron temas principales de telenovelas transmitidas en horario estelar, por ejemplo:"Enfurecida"," La distancia y tú", "Enamorado de ti" y "Quiérela más que yo", y otros como "La Diosa y el pecador", "Como no voy a decirlo", se mantuvieron semanas en primer lugar de sintonía y en los labios de muchos venezolanos. www.luissilva.com.ve

 

RAJATABLA VUELVE CON LOS ÚLTIMOS DÍAS DE MIRANDA

RAJATABLA VUELVE CON LOS ÚLTIMOS DÍAS DE MIRANDA

 

Rajatabla nos muestra una faceta del procer de la independencia

Dairo  Piñeres ririge la pieza

El colectivo venezolano, famoso en el mundo entero por su teatralización de grandes personajes de la historia patria como Simón Bolívar, o el Mariscal de Ayacucho Antonio José de Sucre, aborda en esta ocasión la personalidad y el carisma del Precursor de la Independencia: Francisco de Miranda. Para ello se vale del drama épico de Roberto Azuaje "José Amindra", uno de los seudónimos utilizados por el prócer durante su apasionante vida.

"José Amindra" será estrenada el próximo jueves 16 de octubre, a las 8 de la noche, en la Sala Rajatabla, bajo la dirección de Dairo Piñeres con la participación del elenco estable de la agrupación y de los alumnos del Taller Nacional de Teatro, en el marco de la I Muestra Concurso Rajatabla de dramaturgia venezolana.

Con esta pieza Rajatabla cierra un año dedicado a escritores nacionales con la Puesta en Escena de cinco estrenos mundiales: "El Peligroso Encanto de la Occiosidad" de Gilberto Pinto; "Los Dioses del Sur" de Vicente Lira, "Contacto" de Carmen García Vilar, "La Jaula Big Shop" de Héctor Castro y por supuesto "José Amindra" de Roberto Azuaje.

Esta pieza, ganadora además del primer premio Literario de Fundarte 2004, es un drama histórico donde el autor nos recrea los últimos años del precursor de nuestra independencia Francisco de Miranda en la prisión de las Cuatro Torres en el arsenal de La Carraca en Cádiz. Para ello Azuaje se basa enteramente en las cartas escritas por el Generalísimo durante su cautiverio y se utiliza el anagrama de "José Amindra" para recrear una obra de invención, de interpretación pero también de desmistificación de los hechos históricos.

Para Roberto Azuaje "José Amindra" significará su estreno como dramaturgo en Venezuela, ya que hace unos meses su pieza "Siete Grados de Entropía Tropical" fue llevada a escena en el Unión Theatre Londres con gran aceptación de crítica y público.Es además uno de los ganadores del Concurso de dramaturgia del Iaem con la obra "El Más mejor" basado en la vida del pugilista Vicente Paul Rondón.

Según el autor: "Para escribir "José Amindra" imaginé el montaje que haría Rajatabla y tomé como modelos a sus actores para los personajes, porque soy admirador de los espectáculos épicos de esta gran agrupación. Rajatabla posee en su repertorio obras acerca de Sucre y Bolívar, les faltaba Miranda y eso me estimuló a pensar que mi humilde pieza pudiera completar su trilogía de nuestros máximos héroes nacionales. "

Actúan en "José Amindra": Francisco Alfaro, Germán Mendieta, Pedro Pineda, Gerardo Luongo, Dora Farías ,Rufino Dorta, quienes estarán acompañados de los alumnos del Taller Nacional de Teatro. La Musicalización es de Eduardo Bolívar, La Iluminación de David Blanco, el diseño de escenografía de Héctor Becerra, la Producción artística de José Dominguez, La Producción General de Francisco Alfaro y la Dirección y Puesta en Escena de Dairo Piñeres.

Las funciones de "José Amindra" serán de jueves a sábado a las 8 de la noche y los domingos a las 6 de la tarde, a partir del 23 de Octubre en la Sala Rajatabla.

 

YORDANO VUELVE AL TERESA CARREÑO PARA DERRAMAR SU MANANTIAL DE CANCIONES

YORDANO VUELVE AL TERESA CARREÑO PARA DERRAMAR SU MANANTIAL DE CANCIONES

 

El cantautor venezolano Yordano sigue en el tapete en la industria musical venezolana, pues no solo se ha convertido en el músico venezolano mayor vendedor de discos del 2008, gracias a las altas ventas registradas de su nuevo disco "El deseo", sino que en la continuación de su intensa gira nacional, ofrecerá el próximo 31 de octubre un concierto en el teatro Teresa Carreño. Su tercer sencillo promocional "Somos tu y yo" esta rápidamente escalando a las primeras posiciones de las carteleras radiales nacionales.

Después de cinco años de ausencia de este escenario en solitario, Yordano volverá por sus propios fueros a la sala Ríos Reyna del Complejo Cultural Teresa Carreño para cantar más de 20 temas, entre los clásicos de siempre y las nuevas canciones que ya se han convertido en éxitos incluidas en su más reciente producción discográfica.

En el espectáculo organizado por Profit Producciones sonarán los temas que han marcado la trayectoria del cantautor, desde sus inicios hasta la actualidad, haciendo hincapié en las canciones incluidas en su más reciente producción discográfica "El Deseo", como por ejemplo "Somos tu y yo", "Niña mala", "La última piedra", "Ella es", "La mujer equivocada", "Puja", además de la conocida balada "Todo el amor".

En el teatro Teresa Carreño también podrán escucharse clásicos como "Manantial de corazón", "Días de junio", "Chatarra de amor", "Vivir en Caracas", "Otra cara bonita", "Perla negra" y "Por estas calles" entre otras. Dos horas de pop, rock, balada y muchas sonoridades caribeñas se harán sentir en el mencionado recinto cultural.

El intérprete de "Con ella no hay salida fácil" actuará en Caracas acompañado por Eddie Pérez en la dirección musical, guitarras eléctricas, acústicas y coros, Carlos "Nene" Quintero en la percusión, Pedro Rodríguez en la batería y coros, Henry Paúl Díaz en el bajo, además de Hildemaro Álvarez en los teclados.

Las entradas para el espectáculo en el TTC organizado y producido por Profit Producciones están a la venta en las taquillas del teatro a los siguientes precios: Foso de orquesta 298BF, Patio central 258BF, Patio lateral 238BF, Balcón central 178BF, Balcón lateral 148BF, Balcón Ministerial/Embajador 248BF.

Cabe destacar que en su reciente visita a Panamá Yordano fungió como invitado especial en el estreno del espectáculo de danza titulado "Madera fina" basado en los éxitos más sonados del cantautor. Di marzo recibió una ovación de pie en la sala del Teatro del Circulo de ese país centroamericano, una de los más prestigiosos recintos de esa ciudad. Debido al éxito de esta revista musical, para marzo del 2009, se repondrá en 25 funciones en el teatro más grande de ese pais centroamericano.

De igual manera recientemente, Yordano ofreció una exclusiva presentación en el Miami Arts Center, en donde interpretó una a una las canciones incluidas en su CD "El Deseo", con la asistencia de ejecutivos de varias casas disqueras y medios de comunicación social. La presentación del show estuvo a cargo del reconocido locutor venezolano Eli Bravo.

El autor de "Manantial de corazón" y "Hoy vamos a salir" aprovecho su estadía en la ciudad norteamericana para asistir a los programas de televisión más importantes de las cadenas Univisión y Telemundo, además de hacer giras de radio y prensa.

Después de su actuación en el TTC la gira nacional de Yordano seguirá por Margarita, Valencia, Maracaibo, Coro y Punto Fijo, entre otra ciudades del interior de la República.


 

EL EMBRUJO DEL TEATRO DE TÍTERES

EL EMBRUJO DEL TEATRO DE TÍTERES

 

Por: Reinaldo Mirabal

"Dígole a vuestra merced, Señor Don Quijote que es una de las cosas más de ver que hoy tiene el mundo"
Cervantes. El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la mancha. Segunda Parte. Capítulo XXV.


LA GRAN FAMILIA
Hace ya muchos años, en el transcurrir del siglo pasado, fue uno de los muchos excavadores del suelo egipcio, de cuyo nombre no quiero acordarme, descubrió en un sepulcro del Valle de los Reyes, en la tumba de la sacerdotisa de Osiris, la bailarina Jelmis (" Su preciosa bailarina", según se lee en el sepulcro), junto a su momia, halló un bello barquito de madera tripulado por figuritas de marfil, de mas de cuatro mil ochocientos años de antigüedad, y una de esas figuritas estaba articulada, pudiéndose poner en movimiento mediante hilos. Es decir, una marioneta, semejante a las viejas nuestras movidas por añagazas para holganza de grandes y chicos. El descubrimiento movió a asombro a todos los titiriteros, que buscaban raíces de este bello Arte en la antigua Grecia y el principio de su incremento en la Roma de los mimos y Danzantes. Entre los ciegos e incrédulos que sólo aceptaban el teatro de títeres como intrascendente recreo para niños e ingenuos, causó el hallazgo un revuelo de interés que culminó en admiración hacia el tan desdeñado Arte de los muñecos. Las viejas figuras clásicas de la farsa- Polichinela, La Madre, El Doctor-, cobraron insospechado humanismo en el mundo occidental y llegó a considerarse a los titiriteros como verdaderos hacedores de Obras de Arte, ya no que como simples farsantes. Faltaba la rúbrica autoritaria de una civilización más culta que revelara el valor estético del Arte de los Títeres. El Teatro de Títeres que en el siglo XVII había ya cundido en toda la Europa en forma menos exuberante que en Oriente, viose robustecido en espíritu y su energía cruzó los mares y arraigó en América. Hoy en todos los países americanos con raras excepciones entre las que se encuentra Venezuela se rinde culto artístico al Títere, espejo grotesco de miserias y principio ingenuo de liberación espiritual.

Toda la gama de pasiones absurdas que conturban el espíritu occidental, tiene cabida en los cuerpos grotescos de la Gran Familia constituida por los títeres y sus vocecillas chillonas y estentóreas no cesarán de renegar de ellas y pregonar a voces el axioma universal de la belleza. No existe en la naturaleza medio más adecuado para compenetrar al hombre con la miseria de su alma y con sus brotes de belleza, que estos grotescos monigotes de la Gran Familia, sin atender al truco que les da vida, ya sean hilos o la mano ágil del titiritero que como el alma del mismo campea a sus anchas dentro de la tosca funda de tela que hace el cuerpo del pequeño cabezudo.

La Gran Familia de los Títeres podemos clasificarla atendiendo a los medios que la animan, a su aparato motor, hilos o dedos. Está integrada por Marionetas o Fantoches, o por Títeres de hilo y por Títeres de cabeza, o de cachiporra, o llanamente Guiñoles, además de sus distintas variaciones y formas de manipularlos.

Al lado de estas encontramos al pelele, que es como el hijo prodigo de la Gran Familia, el que renegando del Teatro baila mudo por calles y por las plazas en manos de los niños y de los viejecillos. Es el títere primitivo y primigenio.

No podemos decir del Arte de los Títeres, que sea un Arte Español. No existe, ni siquiera, en nuestro idioma el vocablo castizo que lo designe, y así tenemos que nombrarlos con voces extranjeras llamándolos Marionetas o Guiñoles. Por otra parte, es un Arte excelentemente universal. Sus personajes--Polichinela, Colombina, Silvia, Arlequín, Don Pantaleón, La Madre, El Doctor, etc-, aunque originarios, la mayoría de la Península Itálica, han tomado fisonomía propia en los diversos países en donde se han presentado, y así tenemos el Polichinela Francés, vehemente y enamorado, un ser distinto del burgués, picacho y pendenciero que es el Polichinela Napolitano. No es otro que el mismísimo Señor Polichinela, el Don Cristóbal y el Cristobita hispanoamericano, que anima la más aguda gracia e ingenio de nuestra raza. Muchos de los miembros de la Gran Familia, que como vemos, es única e indivisible, nacieron en Lyon, donde mayor auge e incremento ha gozado el Teatro de Títeres. En La Madre tenemos uno de ellos, con todas sus características de Celestina Francesa. Algunos tipos folklóricos de diversas naciones han subido al Teatro de Títeres, pero su actuación se ha limitado a su país de origen y a veces a sus convecinos. Pudiéramos decir de ellos que son los parientes lejanos de esta Gran Familia en que ejerce la patria potestad el Señor Polichinela. Es un Fenómeno muy americano este último al que me he referido, y así se ha visto en nuestras repúblicas desfilar por el Teatro de Títeres a personajes de corríos y de cuentos populares poniendo en él la nota característica de un pueblo y de una cultura más evolucionada.

EL TEATRO
Como apuntamos en un principio, parece que en civilizaciones tan avanzadas como la egipcia, el teatro de títeres gozó de alta consideración, sin duda alguna por la fuerza anímica que de él se deriva. La nuestra busca los orígenes de un teatro de títeres en las Casas de Muñecas de la Edad Media, donde según parece desarrollaban los muñecos a la vista de los espectadores una verdadera comedia, manejados por burdas manos humanas. El instinto de perfección realzó el espectáculo escondiendo el truco y dando así auge mayor a la fantasía. Y nació el teatro de títeres, en el que los muñecos actúan movidos por hilos (marionetas), o por la propia mano del titiritero (títere de guante, guiñoles). En el teatro de guiñoles se ha pretendido ver la forma primigenia del teatro de títeres (occidental), sus comedias de por sí más simples que en el de marionetas, en el que suelen crearse complicaciones, el decorado más rudimentario y la acción del muñeco más elemental, ya que muchas de ellas, ni siquiera llevan piernas, y las que la tienen recurren a la barandilla del proscenio para dejarlas ver a los espectadores. Hoy en día, el teatro guiñol ha adquirido mayor desarrollo, lográndose efectos realmente asombrosos por medio de trucos mixtos que utilizan hilos inferiores para mover las manos del muñeco, mientras su cuerpo es animado por su soporte de madera que descansa en el cinto del titiritero (títere de varilla). El escenario que primitivamente no tenía más que un primer término, se ha desplazado hacia el foro en nuevos planos, utilizando a la vez diversas alturas, ventanas, balcones y montículos para hacer actuar en ellos al muñeco. Este teatro, aunque más primitivo en la forma, goza de alta virtud en su fondo que, por contraste se impone enérgicamente al espectador. Es el teatro crítico por excelencia.

Entre las formas más primitivas del teatro guiñol merece mención el Teatro Turco de Guiñoles, que actuaba, desde finales del siglo XIX y en el pasado, en las aldeas balcánicas y en Rusia. Tenía forma de vitrina desmontable, soportes y descansos para los muñecos que no entraban en acción. El titiritero iba parado en el medio, escondiendo la mitad superior de su cuerpo en una gran bolsa de tela que remataba en un aro de metal. Constituía ese aro el proscenio o barandilla del espacio en que actuaba el muñeco ante un simple tapete de colores, que cerraba el foro sirviendo de decoración. El teatro de guiñoles es alto ya que el titiritero debe permanecer de pie escondido tras la fachada del mismo. El teatro de marionetas es, por el contrario, bajo, puesto que el titiritero debe mover los hilos tras la cornisa del teatro que debe ocultar por completo su cuerpo. De este último teatro poco tenemos que decir, aunque haya mucho que decir de él, ya que en el siglo pasado todos o casi todos entre la primera década hasta los cuarenta, en América, pudieron admirar el de Podrecca y su mágica realización técnica que lo llevo a fascinar hasta la gran meca del cine, Hollywood. Era insospechada la variedad de trucos al que podía recurrir este virtuoso actor de marionetas quien día a día, asombraba al mundo con sus creaciones cada vez más maravillosas como la que en la década de los treinta cautivo a todo el continente americano, con su compañía LOS PICCOLI DE PODRECCA y su " OPERA POR RADIO" donde todos los géneros teatrales, luces y colores para todos los ojos, y canciones para todos los oídos, conformaban este regalo de dioses donde participaban 15 principales artistas líricos, 15 marionetistas operadores, una orquesta clásica, contando con 300 decorados, 800 Piccoli (marionetas) y más de mil trajes. A Podrecca se le debe, junto a Lola Cueto y su grupo El Nahuatl, a ver sembrado su magia e inspirado a cientos de titiriteros, quienes en el continente americano comenzaron a desarrollar este noble arte a partir de su visita, como paso en Venezuela, Colombia y muchos más. Es justo reconocer en el teatro de marionetas un campo más propicio que el de guiñoles y una materia menos ingrata, para la realización técnica de la obra. Lo que el otro le aventaja en espíritu lo equilibra éste en su forma casi perfecta. El movimiento del muñeco es por lo general más elocuente y la riqueza de su decorado puede hacerse infinitamente mayor. El Teatro de Títeres de Leningrado, La Tía Norica y los Piccolli de Podrecca en Italia merecieron los más altos elogios, que los sitúo en el plano máximo de este difícil arte del muñeco. La comedia, que como hemos visto es simple y primitiva en el guiñol, adquiere mayor detalle y relieve el el teatro de marionetas. Es por el escenario de este último que han desfilado con todo el encanto de su magia casi todos los cuentos de hadas (Perrault, Andersen, Grimm...) Rara vez visitan el escenario de marionetas las viejas figuras de la Gran Familia, y si lo hacen podemos afirmar que lo realizan a modo de turistas. Son ellos primitivos y prefieren refugiarse en las bambalinas del guiñol.

LA COMEDIA
Hemos esbozado la diferencia que existe entre la comedia del guiñol y la comedia de marionetas. La una de tendencia simplista, primigenia y de alta calidad emotiva; la otra exuberante, maravillosa, de complicada forma, pero ambas, materia viviente donde polariza la luz de lo popular; en su música, en sus chistes y en sus intenciones.

La de marionetas evadiendo lo popular al tratar de superarse, pero conservando en su expresión todo su acento. Y es que la influencia popular y humorística son características inaplazables en toda comedia de títeres.

En Italia como en Francia, no vaciló el autor anónimo en hacer subir las viejas figuras de la farsa y de la comedia del arte, que constituían la más cálida expresión de lo popular, en su escena de muñecos, y si en España fueron los mismos los que actuaron en un principio se vieron investidos de características vernáculas que les daban fisonomía netamente hispana. Con el tiempo eran expresión viviente en costumbres, colorido y poesía del espíritu popular español, y así encontramos en García Lorca la figurilla pizpireta de Doña Rosita, que es gala de su genio en el Retablillo de Don Cristóbal. En América casi se ha desistido de las viejas figurillas clásicas para dar cabida en la escena de los títeres al Ratón Pérez, a Tío Tigre, a Tío Conejo y a tantas otras figuras del folklore que han regocijado la mente de grandes y chicos.


FUENTES CONSULTADAS
Biblioteca de trabajo venezolana, Revista Educación. El Teatro: Sueños, magia y vida. Colección Testigos de nuestros tiempos (II). No 20. Caracas: Ediciones Coperativa Laboratorio Educativo, 1983.

Carantoña, Telba. Para recordar. Cuaderno pedagógico. Maiquetía: Ediciones Fundación Telba Carantoña, 2000.

Reyes, David de los. Memorias de Eduardo Calcaño. Sexta edición. Bogotá: Ediciones Musiké, 1979.

Valente, Jesús. El maravilloso mundo de los títeres. En: Teatrino: Órgano divulgativo del Teatro de títeres en Venezuela. Año II; No 3. Caracas: Ediciones Asociación Civil Cultural Teatrino.


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TITERES TRAS LAS HUELLAS DE LA HISTORIA V PARTE

TITERES TRAS LAS HUELLAS DE LA HISTORIA V PARTE

Por: Reinaldo Mirabal

5/7

FARSAS ATELLANAS: MACCUS Y BUCCO

En la Campania los oscos tenian la costumbre de representar una especie de farsa con personajes fijos, farsas inspiradas en los mimos griegos, a las que los romanos llamaron fábula atellana porque fue llevada a Italia por actores de Atella, o acaso porque se representaba en esa ciudad en ocasión de fiestas religiosas, suposición más probable pero que no excluye la otra. La atellana se representaba en Roma pero recitada en osco, y así fue hasta la época de Augusto. Pero a la juventud de Roma le agradaban las farsas atellanas, y por eso empezaron a improvisarlas en latín. No se sabe cuándo empezaron precisamente esas representaciones improvisadas, pero fue antes de la epoca de Livio Andrónico. Los actores aficionados que representaban atellanas no eran acusados de infamía como los histriones. La atellana se representaba como exórdium antes de una tragedia, según el ejemplo de los dramas satiricos griegos que seguia la trilogía tragica. Eran por eso de breve extensión y rápido desarrollo. La recitaban actores profesionales, que eran portadores de mascaras, como los aficionados, pero que no conservaban su privilegio. Cada atellana debía tener pocos personajes, conforme a su brevedad, pero eran cuatro los tipos característicos del genero literario: Maccus, Pappus, Bucco, Dossennus. No era preciso que comparecieran los cuatro en la farsa, pero sí alguno de ellos, para ser reconocida como tal atellana.

Los tres primeros son tipos de estúpido. Maccus el glotón y Bucco son jóvenes. Pappus es el viejo senil. Dossennus e el clásico sabio. La marioneta hierática toma su forma natural en la estatuaria religiosa, tal como la conocemos. En cuanto al teatro de marionetas populares, puede establecerse un paralelismo con el teatro humano. De las sátiras de Aristófanes a las representaciones de Photino no podía haber gran diferencia de forma. El mas famoso personaje de las atellanas era indiscutiblemente Maccus y Maccus ofrece todas las características de Pulchinella (polichinela). Es interesante compararlo también con los otros personajes asiáticos de la misma epoca, y veremos en qué gran cantidad de puntos se asemejan unos y otros. Es una ilustración del fenómeno común que hace crear a los hombres, como respuesta a necesidades idénticas, objetos parecidos en las latitudes más diversas. Maccus aparece a mis ojos como el abuelo del Polichinela europeo actual. Y si hablamos de las farsas atellanas es para poder hacerlo de Maccus en su ambiente original. Maccus puede ser el origen de los muñecos actuales; por lo menos en su figura se han basado la mayor parte de ellos, ya que es el primero que se conoce con dos gibas. La palabra Maccus deriva del osco y significa bufón, mentecato, atolondrado, estúpido. Con su nombre se define ya su personalidad. Vestía túnica y calzaba borceguí. Su nariz tenía esa forma de pico de pollo que aún conservan----con las gibas---los polichinelas.

Apuleyo y Justo Lipsio dicen que este tipo característico surgió del papel de unas de las obras representadas en Atella. En esas farsas atellanas ya hemos visto que Maccus era un personaje de carne y hueso, un actor, que en su boca llevaba ciertas bolitas de plata, resonantes, para modular la voz. Acaso de ahí provenga la costumbre conservada en Cataluña, España y en otros lugares, hoy en día de utilizar una especie de caña-pito que desfigura la voz, la amplia y le da un sonido característico al muñeco.

Los actores de Esquilo y Sófocles tenían más de muñeco que de persona. Montaban sobre unos calzados, los coturnos, que aumentaban su figura en treinta y cuarenta centímetros; para desfigurar su cuerpo se tapaban con clámides holgadas, aunque a veces muy cortas-----muy por encima de la rodilla----,con las que podían ocultar los almohadones con los que se fabricaban falsos hombros, o anchas espaldas, o jorobas, o vientres enormes; los brazos eran prolongados con antebrazos postizos de madera que finalizaban en unas descomunales manos, también de madera tallada, y lo poco que podía quedar del cuerpo descubierto----la cabeza----se ocultaba tras la mascara y la peluca. ¿Qué quedaba del actor en escena sino un muñeco animado por una persona dentro? Esos personajes acaso no serán muñecos articulados, pero si son muñecos vivientes muy semejante a algunos marotes actuales; son auténticos títeres de guante en los que no solo se utilizaba el brazo del artista, sino el cuerpo entero. Ni la voz tenían suya, pues como he dicho la desfiguraban con un pito en la boca, con lo que conseguían identificarse más con cada personaje----pues cada uno tenia su sonido especial---- y hacerse oír más fuerte, aunque no más claro, en las grandes aglomeraciones de público. Hasta en esto se asemejaron los actores a los muñecos.

Hubo un momento en que la ruina de las finanzas publicas tras un desastre guerrero obligó a los magistrados a permitir introducir en escena algunos maniquíes con los que se completaban los coros reducidos, sin que el público pudiera saber en ningún momento cuales eran, entre los personajes inmóviles, los muñecos y las personas. Individualmente, por sí mismos los muñecos actuaban también sobre la orquesta, o sobre el thymete, que eran sitios más cercanos al público en los grandes teatros al aire libre y, por consiguiente, los únicos donde se les podía ver bien. Estos sitios eran los mismos que utilizaban los mimos griegos.

El emperador Marco Aurelio no era partidario de ese espectáculo y lo colocaba en el último peldaño de la escala de sus apariciones, como algo frívolo: ...Gustar de la pompa del circo y de los juegos escénicos es tomar un sentido frívolo. Esas representaciones en las cuales se enseña al pueblo una larga serie de grandes y pequeños animales o combates de gladiadores, ¿tienen más interés que la vista de un oso que sé hecha a una jauría de perros? ¿o que el pedazo de pan que se tira en un vivero de peces? ¿Es que valen ellos más que el espectáculo de hormigas acarreando pequeñas cosas, o el mismo espectáculo de las marionetas?

En Roma, por el amor a la burlesca popularidad, las marionetas han adoptado probablemente el vestuario y las características creados por el genio bufo de las Atellanas. Así, pues, desde que la moda de esos tipos se extendió en Italia, las marionetas tuvieron que imitar exclusivamente las trazas y características de Casnar, de Bucco, de Maccus, creaciones imperecederas de la fantasía italiana, que viven todavía bajo otros nombres. Por su parte, los actores de Atellanas tomaron también muchas cosas de las viejas marionetas. Así se estableció en Roma una especie de cambio entre los personajes de las Atellanas y las marionetas, poco más o menos como se ha visto después hacer ente las mascaras de la Comedia Italiana y los actores de la troupe de Polichinela, de manera que aquí, cuando menos, no es posible saber si, en ciertos papeles, las marionetas han precedido a los actores, o si los actores han precedido las marionetas. CONTINUARÀ

PARTES ANTERIORES:

I PARTE

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II PARTE

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III PARTE
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IV PARTE

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