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TAITA BOVES SE PREESTRENA EN LA UBV

TAITA BOVES SE PREESTRENA EN LA UBV

En la UBV

 

Se pre-estrenará “Taita Boves”

La película venezolana “Taita Boves” de Luis Alberto Lamata, será pre-estrenada este miércoles 14 de julio a las 9:00 de la mañana, en el Salón Simón Bolívar de la Universidad Bolivariana de Venezuela (UBV), evento organizado por las instituciones que integran la Plataforma de Cine y Medios Audiovisuales, que contará con la participación de su propio director, además de Jonathan Pellicer, quien participó en el montaje de la película, y donde además se llevará a cabo un conversatorio luego de la proyección. Esta película, co-producida por la Villa del Cine y Jericó Films, narra las cruentas acciones de José Tomás Boves, conocido personaje histórico que comandó a un ejército de esclavos y mestizos durante la guerra independentista venezolana, a través de la actuación de, Juvel Vielma, quien encarna al caudillo. 

Durante la presentación de la película el pasado 19 de abril en la Cinemateca Nacional, a propósito de la celebración del Año Bicentenario, Luis Alberto Lamata, comentó que a los 14 años tuvo en sus manos, la novela “Boves el urogallo” de Francisco Herrera Luque sobre la cual está basada su obra, quedando atrapado por la trama. Haciendo referencia a ese momento, Lamata mencionó:  “por primera vez abrí un libro donde el país plasmado en papel cobraba vida”. No es casualidad que transcurridos unos años, Lamata tuviera en  sus manos la oportunidad de llevar esta historia a la gran pantalla.

Luis Alberto Lamata, ha escrito desde muy joven para el cine y la televisión, teniendo participación en renombradas novelas venezolanas de gran éxito internacional. En su haber cinematográfico  destacan películas como  “Jericó” (1990), “Desnudo con naranjas” (1995) , “Miranda regresa” (2007) y “El enemigo”(2008),  todas con estas reconocidas como producciones de calidad. (Fin/ Imabelle Velasco).

 La Universidad Bolivariana de Venezuela está ubicada en Av. Leonardo Da Vinci, Los Chaguaramos. La entrada es libre.

 

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EL CINE EUROPEO TOMA LAS SALAS DEL PAÌS

EL CINE EUROPEO TOMA LAS SALAS DEL PAÌS

Del 18 de junio al 2 de julio, Euroscopio 2009

Llega a Venezuela VI Edición del Festival de Cine Europeo

Del 18 de junio al 2 de julio, un total de 16 títulos de 13 países europeos, más un ciclo de comedia denominado "Europa Ríe", que incluye 4 largometrajes y tres cortometrajes, serán proyectadas en teatros de Caracas y el interior del país, en el marco de la VI Edición del Festival de Cine Europeo "Euroscopio 2009".

Este festival es auspiciado por la Delegación de Comisión Europea en Venezuela y los Estados Miembros de la Unión Europea e institutos culturales europeos presentes en el país, con el apoyo de la Fundación Cinemateca Nacional, Gran Cine, Cultura Chacao, la Universidad Metropolitana, la Universidad Central de Venezuela (UCV) y el Museo Lya Bermúdez de Maracaibo,

Euroscopio 2009, exhibirá producciones de distintos países europeos, incluyendo Alemania, España, Francia, Italia, Portugal, Países Bajos, Finlandia, Austria, República Checa, Hungría, Dinamarca, Polonia y Noruega. 

A partir del 18 de junio, Euroscopio 2009 estará presente en las salas de la Cinemateca Nacional de Caracas y el interior del país; en las salas del Circuito Gran Cine; en el Teatro de la Asociación Cultural Humboldt en San Bernardino; en la Sala Cabrujas de Cultura Chacao (3ra. Ave, CC El Parque, nivel C1, Los Palos Grandes); en la Sala Francesca Pensieri, Edificio Aulas 1 de la Universidad Metropolitana; en el Auditorio de Humanidades de la Universidad Central de Venezuela  y en el Museo Lya Bermúdez en Maracaibo, Estado Zulia.

A través de Euroscopio 2009, la Unión Europea pretende ofrecer a los venezolanos un reflejo de la diversidad cultural en Europa, así como también de su creatividad por ser el 2009, el Año Europeo de la Creatividad y la Innovación.

A continuación encontrarán la lista de películas por países con una breve sinopsis:

España: Bajo las Estrellas (2007), drama que nos cuenta la historia de Benito Lacunza camarero holgazán aspirante a músico de jazz, tiene que volver por unos días a su pueblo natal, descubre con sorpresa que su hermano Lalo, se ha echado novia. Benito la conoce de sus juergas adolescentes: es Nines, una madre soltera castigada por la vida. Benito se propone impedir que Lalo caiga en semejante trampa, pero sus planes se derrumban cuando conoce a la hija de Nines, con quien Benito entabla una insólita amistad. 

Italia: Ma che ci faccio qui! (2006), comedia que cuenta la historia de Alesio (18), quien  tiene un gran sueño: recorrer Europa con sus mejores amigos. Sin embargo la entrega de las notas le reserva una mala noticia. Durante todo el verano le esperan una serie de pruebas: escapará, regresará, encontrará improbables compañeros de viaje, será seducido y seducirá a su vez. Sobretodo aprenderá pronto que viajar no es solamente una cuestión de kilómetros…; y L’estate di mio fratello (2005), película que ganó la Mención especial del Jurado del Festival de Tribeca de Nueva York y el premio a la mejor película del Bergamo Film Meeting. 

Francia: Corazones (2006), del aclamado director Alain Resnais, quien  recibió el León de Plata en la edición 2006 de la Mostra de Venecia por esta película, un filme oscuro y a la vez vital, como toda su obra, una de las más originales del cine francés, en la que el director de 86 años mezcla audacia formal, humor y profundidad. 

Alemania: Un Amigo mío (Ein Freund von mir) (2006), es la historia de una amistad llena de humor de dos hombres muy dispares. Una comedia sobre la locura de la amistad y el descubrimiento del amor. Karl y Hans, son como el agua y el fuego o como frenar y acelerar. Estos dos hombres son completamente opuestos, más diferentes, es imposible. 

Finlandia: Helsinki - Nápoles, Todo en Una Noche, comedia sobre un taxista finlandés en Berlín durante una noche llena de peripecias inesperadas, dirigida por el famoso director Mika Kaurismäki. 

Polonia: Katyn (2007), un drama nominado al Oscar a la mejor película de habla no inglesa, que toca el tema de la II Guerra Mundial y recuerda la masacre de 22.000 oficiales polacos a manos del Ejército Rojo soviético en 1940. 

Países Bajos (Holanda), Todo es Amor (Love Is All) (2007), el amor es como Santa Claus: hay que creer en él, ya que de otra manera no funcionará; y Tormenta Infalible  (Storm Bound) (2007), es una película familiar donde tres muchachos se embarcan en su primer viaje a exóticas tierras a través del océano y naufragan en una isla tropical. 

Hungría: Valami Amerika (Un Tanto América), comedia cuya historia comienza con la llegada de "el americano”. Este personaje regresa a la Hungría natal que abandonó de joven, portando el nombre de Alex Brubeck y conduciendo un coche de lujo con el volante a la derecha. Durante su viaje a Hungría vive diferentes situaciones inesperadas; y La Victoria del Amor (2007), que muestra las posibilidades que puede tener una agencia matrimonial high-tech hoy en día. La empresa, ¡S. O. S. Amor!, se dedica a ayudar a sus acomodados clientes, para que éstos puedan resolver sus conflictivos asuntos amorosos.  

República Checa: "Lo mejor de nosotros" (2001), candidata al Oscar de ese mismo año, que trata el tema de Holocausto desde un ángulo diferente, nueva forma de humor, a veces grotesca. De una manera atrayente revela distintos tipos de caracteres de personas quiénes confrontan con la muerte. 

Dinamarca: Después de la Boda (2006), película que cuenta la historia de Mads Mikkelsen, Jacob, quien trabaja en un orfanato en la India. La institución necesita fondos, y es contactado para recibir una gran donación, pero su benefactor le pone como condición que sea él mismo quien firme personalmente los papeles en Dinamarca, por lo que debe regresar después de 20 años de ausencia. 

Noruega: Se fue con la Mujer, en la que él es un hombre que ni siquiera tiene un nombre. Sin saber muy bien cómo, una mujer llega a su vida y toma las riendas. Desde ese momento, el hombre intenta hacerse cargo de la situación. Tiene dos opciones: intentar deshacerse de la mujer o adaptarse a las circunstancias.   

Portugal: Sapatos Pretos (Zapatos Negros), film que pertenece a la nueva era del cine portugués y que nos cuenta la historia de un matrimonio que pierde la ecuación, la amabilidad y la delicadeza, para tornarse en brutalidad y desprecio. Una mujer desesperada e insatisfecha se convierte en un monstruo, que planifica el asesinato de su marido y descubre así, el placer de la muerte; y DOT.COM, cinta que trata sobre Santa Lucía, un pueblo aislado donde la gente es muy cerrada y los inviernos duros. Lo único que une a sus habitantes es la desconfianza hacia los forasteros y el deseo de tener una carretera asfaltada que les comunique con el resto de la región. Pedro, un ingeniero de caminos que lleva dos años en el pueblo trabajando en la carretera, se siente desolado cuando ve recortado el presupuesto oficial y toma la decisión de permanecer en el pueblo hasta que la carretera esté construida. Su chica, Ana, una periodista en Lisboa, le apremia para que escoja: o la carretera o ella. Él se queda dudando y ella lo abandona.  

Austria: Documental - Volver la Vista (2005), a través del cual el espectador se verá puesto en la situación de un inmigrante. 26 mexicanos que viven en Austria y austriacos asentados en México construyen su propia imagen de "patria" y a través de clichés, anhelos y experiencias personales intentan llegar a una definición de "identidad". 

Ciclo Europa Ríe (Aporte del Goethe Institut Caracas). Este ciclo comprende cinco largometrajes y tres cortometrajes. Entre los  largometrajes están: Red Coloured Grey Truck (Serbia, Montenegro, Slovenia 2004); Flores de otro mundo (España 1999); Polska Love Serenade (Alemania  2007); Shouf Shouf Habibi (Holanda 2007); y Nacidos en Absurdistán (Austria 1999). Los cortometrajes son: Just get Married (Siria, Alemania 2003); Pasajero Negro (Alemania 1991); y Padam (España 2007).  

Para obtener mayor información sobre la programación:

Por favor consultar:

www.delven.ec.europa.eu      

www.grancine.net         

www.cinemateca.gob.ve

www.cinefrances.net

LA FIEBRE DEL CINE VUELVE A MARGARITA CON EL FESTIVAL DE CINE LATINOAMERICANO Y CARIBEÑO

LA FIEBRE DEL CINE VUELVE A MARGARITA CON EL FESTIVAL DE CINE LATINOAMERICANO Y CARIBEÑO

Margarita celebrará el talento cinematográfico de América Latina 

Abiertas las inscripciones del Festival de Cine Latinoamericano y Caribeño 
 

La Isla de Margarita, volverá a convertirse en una gran sala de cine, esta vez con una edición que se expande más allá de nuestras fronteras, reuniendo el talento cinematográfico de toda Sur América, una oportunidad para apreciar la creación fílmica de nuestro continente 
 

Amazonia Films, conjuntamente con la Plataforma de Cine y Medios Audiovisuales del Ministerio del Poder Popular para la Cultura, se complace en anunciar la apertura de recepción de las obras cinematográficas para el Festival de Cine Latinoamericano y Caribeño, que se realizará en Margarita, del 25 al 30 de junio de 2009. En esta oportunidad la celebración abarca la cinematografía de la región, luego de la grandiosa respuesta del público margariteño en el pasado Festival de Cine Nacional. 

La Isla de Margarita se transformará en una gran sala de cine, para celebrar la labor que desempeñan los cineastas y los trabajadores del medio audiovisual, con la entrega de la estatuilla “El Pelícano” -creación del artista plástico margariteño Valentín Malaver- y premios en metálico a las películas ganadoras. 

El Festival contará con las secciones: Ópera Prima Latinoamericana y Caribeña, Largometraje de Ficción Nacional y Largometraje Documental Nacional, competencia en la que podrán participar obras audiovisuales cuya fecha de culminación sea posterior al 1 de enero de 2008, con una duración mayor a 70 minutos, y serán consideradas las películas cuyo país de producción sea de Latinoamérica y/o del Caribe.  

El II Concurso Nacional de Cine y Video Comunitario estará presente como parte integral del Festival, en la que podrán participar obras elaboradas en formatos analógico o digital, video 8, Hi-8, Digital 8,  MiniDV,  DV, MPEG,  DVD, formatos de cámaras de fotografía digital, o celulares; y con una duración no mayor a 20 minutos, abarcando géneros de ficción, documental y animación.  

Esta segunda edición del Concurso de Video y Cine Comunitario, es una oportunidad para los creadores comunitarios de difundir su trabajo en todo el territorio nacional, momento para celebrar los poderes creadores del pueblo, que gracias al advenimiento y de la democratización de la tecnología digital, han reducido la brecha para lograr un mayor acceso a la realización audiovisual y su difusión, facilitando así que las comunidades se adueñen de los espacios de difusión a través de sus propios mensajes concebidos a partir de las voces e imágenes del pueblo. 
 

Las inscripciones estarán abiertas desde el 9 de febrero hasta el próximo 30 de abril de 2009, para cualquier información pueden ponerse en contacto con

festivales@amazoniafilms.gob.ve o comunicarse por los teléfonos (212)-238 18 74 / 234 95 69 

Para la inscripción, reglamento e información adicional puede ingresar a través de las páginas web: www.amazoniafilms.gob.ve  - www.cnac.gob.ve -

www.villadelcine.gob.vewww.cinemateca.gob.ve –  
 

*Nota: Las películas se inscribirán a concurso a solicitud de sus productores o aquellos que posean los derechos de la obra, estos enviarán una copia íntegra de la versión definitiva en formato DVD para su consideración por el comité de selección. Todas las copias enviadas al Festival para su consideración pasarán a formar parte del archivo fílmico de Amazonia Films. No podrán participar películas que hubiesen concursado en otros festivales organizados por la Plataforma de Cine y Medios Audiovisuales

WOODY ALLEN NOS DESNUDA A VICKY CRISTINA BARCELONA

WOODY ALLEN NOS DESNUDA A VICKY CRISTINA BARCELONA

ENTREVISTA: WOODY ALLEN, director de cine

"Woody Allen dirige a un trío explosivo en: "Vicky Cristina Barcelona"

Por: Scott Tobias
 
Es difícil medir el impacto que Woody Allen ha generado en la comedia y cultura norteamericana, ya que su aporte es enorme y aún continúa. Incluso dejando a un lado sus discos de comedia, sus escritos para The New Yorker y otras publicaciones, su banda de jazz y sus apariciones como actor en los trabajos de otros directores, todavía queda su filmografía como escritor, director y frecuentemente como estrella, alcanzando hasta más de 40 películas. Comenzando con Take The Money And Run en 1969 - o con What’s Up, Tiger Lily? en 1966, si es que cuenta - Allen ha sido el líder del ingenio judío newyorkino, y el cronista intuitivo persistente de las relaciones humanas. Ha recibido 21 asombrosas nominaciones al Oscar, y ganado tres, por escribir y dirigir Annie Hall (que además ganó Mejor Película) y por escribir Hannah And Her Sisters.
Otros éxitos resaltantes de su larga carrera incluyen: Bananas, Sleeper, Manhattan, The Purple Rose Of Cairo, Crimes And Misdemeanors, Husbands And Wives, Sweet And Lowdown, and Match Point.
 
Luego de décadas de estar identificado de manera muy cercana con Nueva York, Allen recientemente ha hecho una serie de películas en Europa. La última, Vicky Cristina Barcelona, es uno de sus esfuerzos más importantes en muchos años. Scarlett Johansson y Rebecca Hall interpretan a un par de amigas norteamericanas con ideas muy diferentes acerca del romance. Mientras están de vacaciones en Barcelona son hipnotizadas por un pintor (interpretado por Javier Bardem) quien las convence para pasar una romántica estadía, pero permanece obsesionado por su temperamental ex mujer Maria Elena (interpretada por Penélope Cruz).
 
Pregunta: ¿Cómo afecta Barcelona a esta historia de una manera que otra ciudad, como Roma o Madrid, no lo hubiesen hecho?
Woody Allen: No lo hace. Esta película podía haberse hecho en Madrid, en Roma, podía haberse rodado en Venecia o en París. Hay muchas ciudades donde no podría haberse filmado - lo que se necesita es una colorida, algo exótica, y cosmopolita ciudad que tenga una gran profundidad cultural y un enorme potencial visual. Hay muchas ciudades en Europa que tienen estas cualidades. Hubiese sido muy difícil de hacer en Londres porque es menos exótica, ligeramente menos sensitiva, aunque es una gran ciudad. Pero Barcelona es una de esas ciudades en las que se habría podido hacer, y ellos fueron los que me llamaron y me dijeron “¿usted haría una película en Barcelona si nosotros la financiamos?” Y yo dije “claro”. Pero si alguien me hubiese llamado desde Roma y me hubiese dicho “¿usted haría una película en Roma”? Yo fácilmente hubiese filmado la misma película en Roma. Ahora, cuando yo hablo de la misma película, yo no hubiese podido tener a Penélope y a Javier, y por supuesto estaría subestimando -estoy seguro que lo estoy- el enorme impacto de sus personalidades y lo mucho que ellos aportaron a la película. Probablemente no existan dos actores italianos o franceses comparables con ellos que entreguen lo que ellos entregaron. Entonces esa es la razón.
 
Pregunta: ¿Tuvo, Barcelona, la película de Whit Stillman, un impacto en usted? Ambos films, además de tener la misma ciudad como escenario, contrastan la idea del amor entre norteamericanos y europeos.
WA: No. No tuve interés en ese punto en relación con esa película. Yo la vi y la disfruté hace años cuando salió, pero no tuvo…. yo solamente estaba hurgando alrededor de una idea que pudiera hacer en Barcelona entre algunas notas que tenía en casa, ideas en restos de papel. Y se me ocurrió algo con dos chicas que están de vacaciones. Y entonces Penélope Cruz me llamó y me dijo que había escuchado que yo estaba haciendo un film en Barcelona y que a ella le gustaría participar en él. Después de que nos conocimos, yo comencé a pensar “¿cómo abro un espacio para Penélope?” “¿que me sugiere ella como personaje?” Y eso me llevó a su personaje. Y entonces la historia se convirtió en algo totalmente diferente.
 
Pregunta: ¿Esto suele ocurrir con frecuencia, en qué momento sabes a quién quieres en tu película y entonces empiezas a escribir en torno a ellos?
WA: Eso ya no sucede con mucha frecuencia. Años atrás, cuando yo aparecía en todas mis películas, yo siempre supe que iba a ser yo y Diane Keaton, o yo y Mia Farrow, o yo y alguien mas, y podía hacer eso. Pero recientemente, no ha habido nadie con quien yo trabaje constantemente. Ahora, Scarlett Johansson y yo hemos hecho varias películas, y eso ayuda a saber previamente que Scarlett va a ser la chica, o quien sea que pueda ser. Eso ayuda a conocer qué actor o actriz actuará el papel, porque puedes evitar los defectos que ellos tienen en su rango de actuación, y puedes explotar sus fortalezas.
 
Pregunta: Hay una escena realmente importante en la película donde Javier Bardem le hace proposiciones a Rebecca Hall y Scarlett Johansson y las convence de viajar con él. ¿Podría alguien más, además de Bardem haberla hecho?
WA: Eso era lo que había pensando antes. Probablemente no haya muchos que puedan. Hay algunos que pudieran, pero realmente debe tener ese tipo de personalidad envolvente, complicada y carismática para no caer como un torpe y que la mujer se vea atraída por su propuesta y realmente se sienta interesada. Si yo no tuviera a Javier para hacer este papel, y estuviera haciendo esta película en España, no sé si hubiese podido conseguir a alguien. Realmente no lo sé, porque no estoy familiarizado con el cine español, entonces no sé si hay otro que sepa suficientemente inglés y que además tenga ese tipo de complejidad que requiere el personaje.
 
Pregunta: Esta es una película romántica, ¿pero sería justo que a la larga se identificara como pesimista acerca del amor? Una mujer desea estabilidad y la otra pasión, pero ambas parecen atravesar diferentes tipos de problemas.
WA: Yo diría que es un film un poco triste. En apariencia cuando lo ves, no es triste, y entonces mientras lo ves, estás viendo una bella ciudad y escuchando una música maravillosa, y viendo a estas hermosas mujeres y a este hombre encantador. Entonces, confiamos en que disfrutarás, y habrá algunas risas en algunos momentos que te interesen.
Pero cuando termine, y saques cuenta, encontrarás que Javier y Penélope no pueden vivir juntos pero tampoco pueden vivir el uno sin el otro, entonces ellos están torturados. Y Scarlett Johansson sabe lo que no quiere, pero no sabe lo que quiere y probablemente nunca lo sabrá. Y ella va por la vida involucrándose en  relaciones no importa como sean y piensa “esta es una que me dará esa sensación de realización”. Y después con el tiempo se vuelve pesado, por su inconformidad, la ansiedad en su ser se la atribuye a cada relación tarde o temprano, cree que es por culpa de la relación cuando en realidad es por un defecto de ella. Y ella nunca encontrará exactamente que es lo que está buscando. A Rebecca Hall le pudo haber encantado tener algún tipo de relación exótica con este señor (Bardem) pero al final ella está muy asustada y no es su tipo, y maneja la situación torpemente. Su matrimonio quizás sea una versión del matrimonio de Patricia Clarkson y su marido. Quizás no idéntico, pero su esposo quizás, con los años, se convierta en ese tipo de hombre que juega golf y compra un bote; ellos serán estables, un matrimonio funcional que no es el peor del mundo, pero que nunca alcanzará ninguna gran cumbre. Así que, yo siento que es una muy pesimista película, y triste.
 
Pregunta: ¿Entonces el arreglo romántico entre Bardem, Johansson y Cruz es lo menos convencional en la película, y además hasta ahora lo más exitoso. Podría una relación como esa nunca terminar, o es sólo un balance químico temporal que se disolverá eventualmente?
WA: No creo que esas relaciones duren. Lo que es excitante sobre ellas es la inestabilidad. Esto es lo que Penélope le dice a Javier en la película, “A ti te gustan mis cambios de humor, mis inconsistencias”. Lo que es atractivo para él es que ella es impredecible y capaz de tener una enorme visión artística y una enorme sexualidad, pero además capaz de otras pasiones con las que es realmente imposible vivir, y la química entre ellos nunca va a funcionar. Y él siempre sentirá que ella es la mujer más grandiosa que haya conocido jamás cuando estaba cuerda, pero ella raramente está cuerda. Y ella siempre se sentirá enormemente atraída por él, por su carismática personalidad, pero ella es tan volátil, demasiado loca para que funcione, y eso es triste.       
 
Pregunta: Tal como mencionaste antes, ocasionalmente tienes actrices como Scarlett Johansson o Diane Keaton que repetidamente aparecen en tus películas, pero por otra parte tus elencos rotan constantemente, y siempre estás trabajando con gente nueva. ¿Es difícil predecir como va a funcionar la química?    
WA: Algunas veces eso me sorprende. Usualmente tengo gente que se que es buena. Cuando estaba contratando a Javier, no lo había visto en la película de los hermanos Coen (No Country For Old Men), porque no había salido todavía cuando hice esta película. Pero lo había visto en películas españolas, y sabía que era maravilloso. Y había visto a Penélope en las películas de Pedro Almodóvar, y sabía que era maravillosa. Y Scarlett, yo era su fan. Entonces no fue sorpresa para mí que estas personas pudieran trabajar tan bien juntas, pero algunas veces te llevas alguna sorpresa, y usualmente no son sorpresas placenteras. Normalmente, contratas gente que piensas que es buena, y lo son, pero has mezclado los ingredientes equivocados, y dices: “Caramba, este tipo fue excelente en todas sus otras películas. ¿Qué pasó aquí?” O una mujer que es maravillosa, y no funciona justo para ti.       
 
Pregunta: ¿Qué haces cuando las cosas no funcionan como lo esperabas?
WA: Bueno si es insalvable, despido a la persona, porque hay gente que está invirtiendo millones de dólares, y no quiero que la cosa sea un desastre. Pero siempre intentas todo antes de llegar a ese punto. Esa es la última alternativa, y finalmente te resignas ante el hecho de que no obtendrás el 100 por ciento de los guiones que has escrito: “Esta persona me dará el 60 por ciento, y aún así será una película decente y digna de ver, pero no voy a obtener una química electrificante”. Pero si no es así, sí es: “Oh Dios, esto es brutal. No estoy obteniendo nada, esto es vergonzoso, entonces tiro la toalla”.  
 
Pregunta: Usualmente se dice que los directores hacen tres películas diferentes: una cuando escriben, una cuando ruedan y otra cuando editan. ¿Tú sientes que esto es verdad o tienes tantos conocimientos de producción que generalmente terminan siendo lo que pensaste al principio?  
WA: La película es usualmente, para mí, algo orgánico que crece todo el tiempo. Me siento en mi casa y la escribo, y estoy en un lugar aislado, un ambiente de cuatro paredes, y no se lo que sucede. Yo solo la escribo, y va apareciendo en mi cabeza de una manera idealizada donde cada momento funciona. Y cada pequeña cosa es perfecta, porque está en mi cabeza.
Luego sales y comienzas a hacer la pre-producción, y te das cuenta que no vas a conseguir a Javier Bardem o Brad Pitt o a quien quieras. Entonces tendrás que conseguir a alguien más, y no vas a estar preparado para realizar esa escena, porque ellos la presupuestaron en un millón de dólares, y no vas a poder conseguir esa locación porque no le permiten a nadie rodar allí, y encuentras con el tiempo que en realidad estás listo para rodar con la cámara, has hecho 50 compromisos en tu guión original. Y luego ruedas el guión y oyes a los actores diciendo los diálogos, y comienzas a cambiarlos porque no suenan bien, y piensas nuevas bromas que son bastante buenas, y las cosas están cambiando todo el tiempo mientras estás haciéndolas.
Luego cuando editas, estás constantemente sacando material inútil y botándolo, y buscando formas inteligentes de encontrar el mejor material con lo siguiente mejor del material y entonces ellos no noten que has sacado dos conversaciones o seis conversaciones o algo. Esta es la dinámica y las cosas simplemente crecen, y para cuando todo termina, esto ha madurado en una buena forma y logras algo atractivo para ver o te enterraste a ti mismo.     
 
Pregunta: Has dicho en el pasado que cuando el proceso completo termina, has acabado con la película. No miras atrás. ¿Eso es correcto?
WA: Una vez que la película está terminada, no hay mucho que buscar. Cuando la cosa está editada, mezclada, corregida de color, y has terminado… en mi caso, nunca leo nada sobre eso, nunca pienso sobre eso. Vicky Cristina Barcelona no se ha estrenado, y ya terminé de rodar y editar una película con Larry David, Evan Rachel Wood, y Patricia Clarkson, y ahora estoy trabajando en otra película. Entonces yo solo continúo y no miro atrás. Trabajo muy duro en la película cuando la estoy haciendo, pero una vez que está terminada, se termina para mí. Entonces la película Take The Money And Run, que fue la primera que hice, la terminé, hice lo mejor que pude, y no he visto ni un solo cuadro en cerca de 35 años. La hice en 1965, y nunca he visto un cuadro desde que la terminé, y ese fue el final de eso. Esa es la manera como funciono. No hay razón para mirar atrás, porque no hay nada que puedas hacer para mejorar la película. Solo puedes desesperarte y desear haber hecho las cosas mejor. Entonces solo la termino y sigo, y como yo digo, estoy dos películas adelantado a la que va a salir ahora.   
 
Pregunta: Entonces, ¿no sería un placer verlas, como un album viejo de fotos, sólo para ver donde estabas en un momento particular?
WA: Es un placer que me niego, porque luego caigo en la nostalgia, y no creo que eso sea bueno para mí. Yo no quiero rememorar mucho, mis paredes no tienen fotos mías y de los actores con los que estuve, ni nada de esas cosas. Si fueras a mi casa en Nueva York, no sabrías que estoy en el negocio del cine. Luce como una casa regular, como la casa de un abogado o algo por el estilo, y trato de mantener esa disciplina, y solo trabajar. Hay muchas trampas en las que se puede caer, y mirar atrás en tu propio trabajo es definitivamente una de ellas. 

AMAZONIA FILMS ENTREGÓ DIPLOMAS

AMAZONIA FILMS ENTREGÓ DIPLOMAS

 

En el marco del II Festival de Cine de los Pueblos del Sur Amazonia Films entregó diplomas

Los alumnos recibieron de manos de Amazonia Films los certificados de los talleres dictados en el marco del II Festival de Cine de los Pueblos del Sur

En el marco de las celebraciones realizadas en Coro, en conmemoración de los 112 años del Cine Nacional, Amazonia Films, ente adscrito al Ministerio del Poder Popular para la Cultura, entregó el día de ayer 28 de enero, los diplomas a los alumnos que participaron en los talleres dictados en el II Festival de Cine de los Pueblos del Sur del pasado año.


El evento se desarrolló en el Cine Miranda, conjuntamente con la Coordinación Regional de Cine y Medios Audiovisuales del Gabinete de Cultura del Estado Falcón, con la Fundación Cine Teatro Miranda y la Dirección de Cultura de la Universidad Francisco de Miranda, en la celebración de los 112 años del Cine Nacional.


El acto organizado por Norma Courlaender, Coordinadora del Gabinete Regional de la Plataforma de Cine y Medios Audiovisuales del estado Falcón, reconoció el logro de los alumnos con la entrega de los Certificados, en compañía de Yuraima Herrera, Coordinadora de Comunicaciones y Relaciones Institucionales de Amazonia Films, en representación de Jeanette García, Presidenta de la Fundación.


Los talleres dictados fueron: "Dirección de Fotografía" por Cezary Jaworsky, destacado fotógrafo polaco, director de fotografía de varios cortos y largometrajes con diferentes premios, entre ellos, el Premio Coral en el Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana (1989) y el Primer Premio como Mejor Cortometraje en la 25° edición del Festival des Films du Monde de Montreal, 2000, entre otros; "Taller Nuevas Escrituras y producciones en el Campo Documental", dictado por el reconocido argentino Marcelo Céspedes, director de una larga lista de documentales como La noche eterna (1990), Buenos Aires, crónicas villeras (1987), Hospital Borda: un llamado a la razón (1985), entre otros. Productor de un gran catálogo de documentales y autor del libro "Cine-Ojo, el documental como creación"; también fundador de la primera productora argentina dedicada exclusivamente a la realización de cine documental de creación. Actualmente es el cabecilla del Foro Doc Buenos Aires; "Taller Cómo Producir y Dirigir Documentales Observacionales en Latinoamérica", dictado por Alejo Hoijman, director del actual documental argentino Unidad 25 y de Dinero hecho en casa y Hugo Castro, intérprete de Héroes y demonios, Incorregibles y Todo o nada; y "Taller Cine Átomo", dictado por Nascuy Linares, autor de la música para numerosas películas, entre ellas "Tocar y luchar", "Havana" y "La noche de las estrellas". Además Linares trabaja también como director cinematográfico y cámara man. En la actualidad Nascuy Linares vive en Bournemouth, en el sur de Gran Bretaña.

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ENTREVISTA A MARCEL RASQUIN SOBRE SU OPERA PRIMA HERMANOS

ENTREVISTA A MARCEL RASQUIN SOBRE SU OPERA PRIMA HERMANOS

Por Pablo Gamba (Revista Vertigo)

"El barrio sería uno de los sitios más sabrosos para vivir, si no existiera la violencia y si tuviera los servicios" 

Comenzó el rodaje de Hermanos, la ópera prima de Marcel Rasquin. “Es una película de dos hermanos que juegan fútbol en un país de beisbol. Es como un torero que haya nacido en Japón. Lo mismo siento yo: soy un venezolano que se empeña en ser cineasta y acá hay que luchar contra la corriente para serlo”, dice el director. Por esa razón descartó la posibilidad, que le fue planteada en un momento dado, de hacer la película en Brasil. “El sueño es más difícil si eres de acá”, agrega Rasquin, que escribió el guión junto con Rohan Jones, compañero de estudios en el Victoria Collage of the Arts, en Australia. La cinta se estrenará en 2010 para aprovechar la coyuntura del Mundial de Fútbol de Suráfrica. Tiene financiamiento del CNAC, privado y australiano.

Otra característica del proyecto es que la historia se desarrolla en un barrio, y será filmada principalmente en La Dolorita, en Petare. Hermanos se inscribe así en el renacimiento del interés por el lugar por antonomasia en que la cultura venezolana sitúa al pueblo en las ciudades del país. El regreso comenzó con La clase, una película de la Villa del Cine dirigida por José Antonio Varela, y se consumó en Cyrano Fernández de Alberto Arvelo. En los últimos años la preocupación del cine nacional por los personajes populares urbanos marginados se había desplazado del habitante barrio hacia en el niño o la niña de la calle, expresión que se convirtió en subtítulo de Maroa, o el “huelepega”, palabra que dio título a un filme de Elia Schneider. Eran seres excluidos incluso entre los pobres, relegados a vivir en pandillas, debajo de los puentes y en escondrijos similares. En Cyrano Fernández y en La clase los personajes humildes integran, en cambio, una comunidad organizada.

Los realizadores del filme decidieron, además, retribuir a la gente que vive en los lugares donde trabajarán con unos talleres de realización cinematográfica. El primero fue dictado a adolescentes de entre 11 y 13 años de edad en La Dolorita, en Petare. Los participantes filmaron un corto de 1 minuto, utilizando cámara, luces y hasta un dolly profesionales. Una vez que el rodaje termine, está planteado repetir la experiencia en El Cerrito y en El Calvario, otros dos sectores donde rodará la película, con talleres para adolescentes y adultos. Vértigo conversó con Rasquin y con Enrique Aular, productor ejecutivo y director de fotografía, sobre Hermanos y estas actividades paralelas, y sobre el cine de Australia. Ambos son profesionales de destacada trayectoria en la publicidad.

—¿Por qué le interesa el cine sobre el deporte?

—Aparte de que me agarro y me aferro de la pasión que genera el deporte en el planeta entero, y en mí en particular, aprovecho el hecho de que aquí, en Venezuela, nunca se ha hecho una película ni de beisbol ni de fútbol –dice Marcel Rasquin–. Muy pocas películas en América Latina abordan ese género porque no es fácil. Desde niño soy fanático de la primera película de Rocky. Me emocionaba y me sigue emocionando, hasta el punto de que sabía de memoria cuántos golpes le daban a Rocky hasta que él le partía la cara al otro tipo.

—En una película de deportes hay la oportunidad de ver el espectáculo deportivo como cineasta y no como lo hace la televisión. ¿Qué se plantea al respecto?

 

—Yo no tengo la posibilidad que tiene Meridiano Televisión o la transmisión de la Copa UEFA de poner 40 cámaras alrededor de una cancha de fútbol. Pero la posibilidad que sí tengo es de contar la historia en primera persona. Puedo meter una cámara en la cancha, y es lo que voy a hacer. Pienso contar el fútbol desde muy de cerca, con planosecuencias, para que se sientan la tierra, el sudor, los golpes, los codazos.

 

—¿Por qué les interesó que la historia se desarrollara en un barrio?

 

—En nuestro caso no es una historia del barrio –contesta Enrique Aular–. Es una historia de la vida, del fútbol, que sucede en el barrio. El barrio, como todos sabemos, tiene cosas muy buenas y algunas cosas malas. Lo que pasa es que lo que sale generalmente reflejado es la leyenda negra. Es porque somos así: no es que los periodistas estén buscando las noticias malas sino que el receptor mira siempre esa parte morbosa. En este caso, y es un principio de comunicación, una de las cosas que nos gustaría lograr con la película es cambiar la percepción venezolana de los barrios, partiendo del que vive allí, para que no se sienta mal. El barrio sería uno de los sitios más sabrosos para vivir si no existiera la violencia y si tuviera los servicios. Esa es una idea que siempre hemos tenido nosotros. Hace 15 años, cuando comenzamos a trabajar en publicidad, tuvimos la oportunidad de desarrollar un comercial para una marca de ropa. El dueño quería que el escenario para su camisa fuera lo más espectacular de Venezuela. Y nosotros lo convencimos: el barrio, estéticamente incluso, es atractivo.

 

—¿Qué tiene de particular hacer una fotografía de cine en un barrio?

—Primero, la topografía. Desde el punto de vista del director de fotografía, es una cuestión geométrica, o antigeométrica. Tienes líneas y angulaciones por todos lados que son muy atractivas para la fotografía. Es un caos dentro del cuadro, pero un caos organizado. Cuando lo empiezas a ver te parece un Lego, es muy atractivo. En lo que respecta a la luz, los barrios están en las zonas más privilegiadas de la ciudad. Están en la montaña y el primer rayo de luz que sale, cae en el barrio. Aprovechar ese colorido es lindísimo. Es un reto también, porque uno como fotógrafo generalmente trata de manejar una paleta de colores definida. En el barrio, la paleta de colores es infinita y eso, más que una limitación, debe ser una ventaja. Además, es lo que lo hace diferente. ¿Por qué Inglaterra es toda gris y verde? Es porque no hay colores. No es porque los fotógrafos decidieron hacer eso. Igual pasa en la fotografía de Hollywood. ¿Por qué es así? Porque Los Ángeles fue escogida porque no hay nubes nunca y el sol tiene un ángulo interesante. Puedes filmar todo el día, y por eso esos colores. La oportunidad que tenemos aquí es esa: aprovechar lo que nos da la luz para hacer algo propio.

 

—Pero hay referentes clave para el tema. Por ejemplo, Ciudad de Dios…

—Uno siempre lo tiene como referencia, y lo tiene en la cabeza para diferenciarse y que no venga a colación y la gente diga: “Esto es Ciudad de Dios”. A mí me gustó mucho el tratamiento de Ciudad de Dios, incluso el de Cyrano Fernández. Pero trato de alejarme para proteger la historia. Lo tengo que hacer diferente porque la historia tiene que vivir por sí sola. Si en algo se parece, la gente va a asociar las historias, y no se parecen en nada.

—¿Por qué se realizó el taller como parte de las actividades de la película?

—Fue una revelación que tuve una noche –dice Rasquin–. Estaba en el remolino y la vorágine de ver cómo levantaba el proyecto cuando descubrí por qué quería hacer la película. Es algo que tiene que ver mucho con mi sentir venezolano y mi condición de ciudadano. Yo me siento muy privilegiado por haber podido estudiar, por poder hacer lo que me gusta, y quería compartirlo. Se trata de devolver un poquito, de comunicarme con la comunidad, de que ellos puedan contar su propia historia, y de que se entusiasmen con lo que a mí me apasiona, igual que me entusiasmé yo. Entendí entonces que el proyecto no era solamente el de la vanidad natural de un artista, de hacer una película, estrenarla y ver su nombre en ella, sino también producto de una necesidad de retribuir, de comunicarme y de conectarme. Así surgió la idea de hacer estos talleres, y de que la comunidad se involucre y esté en el crew de la película.

—Están surgiendo radios y televisoras comunitarias, y ahora hay tantos medios que te permiten a ti solito llevar una producción audiovisual, como Internet, pero nadie se ha dedicado a enseñar cómo hacerlo bien –agrega Aular–. Son pasos muy básicos para que cualquier persona que haya participado en el taller pueda ser su director, su productor, y pueda llevar un contenido de calidad a los medios comunitarios. Además, Venezuela es reconocida en el mundo por la calidad de sus técnicos. Todos los cineastas que vienen de Alemania, de Francia, de Estados Unidos a trabajar aquí se sorprenden del nivel del personal técnico, y la mayoría de ese personal viene de las zonas populares de la ciudad. A nosotros nos sorprende por qué no hay más fuerza laboral en esa área, y una de las razones es el desconocimiento. Nosotros queremos abrir esa brecha: esto existe; aquí hay una posibilidad. Entonces, se trata también de invitarlos a participar como un oficio.

—¿Cómo fue que establecieron el vínculo con las comunidades?

—Pensábamos que iba a ser muchísimo más difícil conseguir a los líderes de las comunidades –prosigue Aular–. Resulta que no. Fue muy fácil justo por eso, porque son integradores. A veces aparecíamos en una locación con la cámara, solamente para probar, y ya estaba alguien del consejo comunal. Estaban muy interesados en lo que ocurre en la comunidad. En algunos casos fueron ellos los que vinieron a nosotros, interesados en saber qué estábamos haciendo allí, y también, lo que me parece muy bueno, cuidando: “¿Qué van a comunicar?”, “Déjame ver el guión; quiero saber la historia”. Cuando se enteraron de cómo era el proyecto, el aporte fue inmediato.

—Australia es un país peculiar en panorama cinematográfico mundial. Está en un sitio lejano en el mapa, pero de allí ha surgido gente como Nicole Kidman, Cate Blanchet, George Miller y Baz Luhrmann. ¿Qué tiene Australia para que sea tan especial, estando en un lugar tan remoto?

—Por la forma como ese país se configuró, con inmigrantes y presos, aislado del resto del planeta, y con relación con la población aborigen muy difícil y muy traumática, viviendo en condiciones salvajes, ellos tienen esa cosa del cazacocodrilos –dice Rasquin–. Mad Max es muy australiana. Los australianos tienen, de alguna forma, lo mejor de dos mundos: una estructura anglosajona organizada, civilizada, tienen la reina y siguen formando parte de la Commonwealth, pero viven en un desierto lleno de los animales más peligrosos del mundo. Tienen que ser como unos salvajes para sobrevivir. Esa contradicción es muy sabrosa y muy valiosa para el cine. Creo que un secreto del cine está en cómo las contradicciones están juntas y viven en la misma persona. Nunca había pensado en la pregunta, pero creo que debe ir por ahí.

Pablo Gamba
pablogamba@revistavertigo.info

LA ACCIÓN LLEGA AL LIMITE EN PELIGRO EN BANGKOK YA EN CARTELERA

LA ACCIÓN LLEGA AL LIMITE EN PELIGRO EN BANGKOK YA EN CARTELERA


Bangkok Dangerous

Ya en los cines del país

 

FICHA TÉCNICA

Dirección: Oxide y Danny Pang

Guión: Jason Richman

Producción: Jason Shuman, William Sherak, Nicolas Cage, Norm Golightly

Música: Brian Tyler

Fotografía: Decha Srimantra

Edición: Mike Jackson y Curran Pang


Título original: Bangkok Dangerous

Género: Acción

Lenguaje: Inglés

País: USA

Duración: 98 minutes


REPARTO

Nicolas Cage JOE

Charlie Young FON

Shahkrit Yamnarm KONG

Nirattisai Kaljareuk SURAT

Panward Hemmanee AOM

Dom Hetrakul ARAN

Namngen Jaruvijit ABUELA DE FON

Napasaranh Mittiraroch HERMANO DE KONG


SINOPSIS

Remake de la exitosa película tailandesa "Bangkok Dangerous" de 1999. Joe, un asesino profesional recibe un encargo en Bangkok para acabar con cuatro objetivos, pagado por un gangster local. Para que lo ayude, recluta a Kong, un ladronzuelo al que planea matar al terminar el trabajo, para no dejar ningún rastro. Pero las cosas se complican. Joe se enamora de una joven sordomuda y deja que la simpatía de Kong perfore su coraza. Cuando el hombre que lo contrató se vuelve contra él y captura a su nuevo amigo, Joe reaccionará con toda la violencia de la que es capaz para defenderlo.


TRABAJAR CON DANNY Y OXIDE PANG

Danny y Oxide son gemelos idénticos conocidos a escala internacional como los Hermanos Pang, son talentos multifacéticos que han alcanzado la fama internacional como cineastas de Hong Kong con los éxitos asiáticos "The Eye", "The Messengers" y ahora "Bangkok Dangerous".


Los dos son escritores, directores, productores y montadores. A los dos se les conoce por compartir una visión unificada, por ser inseparables en su abordaje del proceso de filmación. Se encuentran entre el grupo de autores oriundos de Hong Kong que provienen de la publicidad y han recibido una acogida calurosa por el cine asiático, sobre todo en China y Tailandia.

Habiendo trabajado juntos en más de una docena de películas, los directores gemelos han desarrollado un estilo único de trabajo, algo tal vez imposible para realizadores que no comparten el mismo ADN.


"Es como si hubiéramos combinado nuestros poderes y se hubieran convertido en uno solo" comenta Oxide "Trabajamos juntos en el guión y realizamos un storyboard para la película. Cuando terminamos este procedimiento entonces podemos trabajar independientemente porque los dos tenemos la misma idea de lo que va a ocurrir" añade Danny "un día le toca filmar a mi y al día siguiente a Oxide. Si no es una escena grande normalmente trabajamos separados".

El diseñador de producción James Newport concuerda en que trabajar con estos dos directores ha sido una experiencia muy diferente a cualquier otra que hubiera vivido "parecería que tuvieran una conexión mental entre ellos, casi podrían terminar la frase del otro. Si no encontrabas a Oxide, podías irle a preguntar a Danny y parecería que sabían exactamente de lo que estabas hablando, incluso si nunca hubieras discutido el punto con él."


Algo que añaden los hermanos Pang era su emoción de trabajar con Nicolas Cage, un actor que cataloga Danny como "uno de nuestros ídolos en el mundo del cine". "Nos encanta su trabajo desde Birdy en donde lo dirigió Alan Parker.


Oxide añade que trabajar con Cage fue como un sueño "Nosotros hicimos cambios a la historia hasta que estuvimos contentos con ella y Nic siempre estuvo abierto a nuestras ideas y dirección" comenta "Nuestro ingles es no muy bueno, pero él pasó mucho tiempo con nosotros tratando de entender lo que queríamos decir. Nunca sentimos que estuviéramos dirigiendo a una superestrella".

RODAR EN TAILANDIA

Finalmente y tal vez el personaje más intrigante en la película es la propia Tailandia. "En nuestra película, Bangkok es no sólo una locación. La ciudad y la gente de Bangkok eventualmente hacen que nuestro asesino decida no matar más. La cultura lo aleja de la violencia y la gente que lo rodea lo hace darse cuenta de sus propios defectos. El descubre algo que nosotros vimos la primera vez que estuvimos en Bangkok, esta es una ciudad mágica".


Nicolas Cage recuerda haber experimentado esta magia tan pronto bajo del avión "Sentí el aire y pensé este es realmente un bello lugar, hay una gran energía aquí. Es libertad. ¿Acaso thai significa libertad?. Había una libertad en el aire y una bondad que sentí alrededor lo cual realmente admiré".


Los hermanos Pang hicieron un gran esfuerzo por presentar a la verdadera Tailandia alejándose del romanticismo o la mitología. Trataron de ser realistas. Incorporaron muchos símbolos tradicionales incluyendo al elefante el cual tiene un significado especial para muchos habitantes.


La película utilizó alrededor de 47 locaciones en Bangkok y sus provincias cercanas.

NICOLAS CAGE

Ganador de un Premio de la Academia, Nicolas Cage es uno de los actores más versátiles de nuestro tiempo, conocido por sus conmovedoras interpretaciones tanto en drama como comedia. Su memorable papel de alcohólico terminal y suicida en Leaving Las Vegas, dirigida por Mike Figgis, le consiguió un Oscar, así como un Globo de Oro y premios al Mejor Actor Actor de parte del New York Film Critics Circle, Los Angeles Film Critics Association, the Chicago Film Critics y el National Board of Review.


Cage asentó su status de gran actor tras ser nominado al Oscar, al Globo de Oro, al premio del Screen Actor’s Guild y a un BAFTA por su papel dual de los hermanos gemelos ‘Charlie’ y ‘Donald Kaufman’ en la inteligente comedia de Spike Jonze Adaptation (El ladrón de orquídeas), coprotagonizada por Meryl Streep y Chris Cooper.

 

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VICKY CRISTINA BARCELONA GANADORA DEL GLOBO DE ORO SE VERÁ EN FEBRERO

VICKY CRISTINA BARCELONA GANADORA DEL GLOBO DE ORO SE VERÁ EN FEBRERO

 

La esperada cinta de Woody Allen se ha hecho acreedora del prestigioso premio en la categoría de Mejor Comedia o Musical, y será estrenada en las mejores salas de cine de nuestro país durante el mes de febrero.El film también fue nominado al Globo de Oro por: Mejor Actriz Comedia o Musical (Rebecca Hall), Mejor Actor Comedia o Musical (Javier Bardem) y Mejor Actriz de Reparto (Penélope Cruz).

En esta original historia del reconocido director Woody Allen, dos jóvenes americanas, Vicky (Rebecca Hall) y Cristina (Scarlett Johansson), llegan a Barcelona para pasar sus vacaciones de verano.


Vicky es una mujer sensata y está comprometida. Cristina es aventurera en el terreno emocional y sexual. En Barcelona, se ven envueltas en una serie de líos amorosos poco convencionales con Juan Antonio (Javier Bardem), un carismático pintor, que sigue manteniendo su relación con María Elena (Penélope Cruz), su temperamental ex -mujer.


Con el trasfondo de la cautivadora sensualidad mediterránea de Barcelona, Vicky Cristina Barcelona es un canto divertido y sin prejuicios al amor en todas sus manifestaciones.


LA PRODUCCIÓN

Vicky Cristina Barcelona es una película profundamente ligada al lugar en el que se filmó. "Cuando comencé a escribir el guión, no pensaba en otra cosa que no fuera crear una historia en la que Barcelona fuera un personaje más", afirma Allen. "Quería rendir homenaje a Barcelona, porque me encanta esta ciudad y porque me encanta España en general. Es una ciudad llena de belleza visual, su sensibilidad es muy romántica. Una historia así solo podría ocurrir en un lugar como París o Barcelona".


Toda la película se rodó en la capital de Cataluña y la segunda ciudad más grande de España, en la costa del Mediterráneo español, así como en Oviedo y en Avilés, dos ciudades del Principado de Asturias, en el norte de España (a unos 650 km de distancia). Los lugares donde se rodó en Barcelona son una postal virtual de la ciudad, en particular la fantástica e intrincada arquitectura de Antoni Gaudí, incluyendo sus famosas Sagrada Familia, el Parc Güell y La Pedrera. Un momento especialmente memorable de la película es cuando Javier Bardem y Rebecca Hall representan una escena completa desde lados opuestos de una fuente que es un mosaico con forma de lagarto en el Parc Güell. "Tuvimos que reducir el caudal de agua que salía de la boca del lagarto", cuenta Allen. "¡No se podían escuchar los diálogos!".

La viva arquitectura de Gaudí es una piedra constante en la película. El trabajo de toda su vida, la cautivadora iglesia de la Sagrada Familia, es una de las obras artísticas inacabadas más famosas, y como tal, es un edificio sumamente romántico. Refleja el pensamiento de María Elena (Penélope Cruz) acerca de que únicamente el amor que no se ha hecho realidad es realmente romántico.

EL CASTING

Es la tercera vez que Allen trabaja con Scarlett Johansson, tras MATCH POINT y SCOOP. "Cada cierto tiempo en mi vida profesional encuentro a una actriz con el tipo de talento que me inspira para crear papeles para ella", afirma Allen. "Es muy inteligente, sexy, tiene mucho talento y una gran variedad de recursos. Tiene un gran sentido del humor y me impresiona su capacidad para improvisar frases". "Creo que Woody y yo tenemos una sensibilidad y un sentido del humor muy parecidos. Cuando leo sus guiones siento que me conecto con él", afirma Johansson. "Creo que sencillamente nos valoramos como artistas y disfrutamos trabajando juntos porque siempre estamos riendo y pasándolo bien. Es maravilloso poder trabajar con tus amigos; y creo que es por eso por lo que seguimos haciéndolo".

Allen nunca había visto a Penélope Cruz en una película hasta que vio la actuación que le valió la nominación al Oscar en la película de Pedro Almodóvar VOLVER. "Pensé que era sencillamente extraordinaria", afirma el director. "Por supuesto, la quería para mi película cuanto antes. Después, su agente llamó y dijo que Penélope sabía que iba a rodar una película en España, luego ella llamó y dijo que sabía que yo iba a rodar una película en España y que tenía muchas ganas de participar en ella. Para mí, eso fue lo mejor que pude oír. María Elena es una fuerza de la naturaleza, eso es Penélope exactamente. Es bella y extraordinariamente sexy de una forma única: es un tipo de belleza muy especial. Y es una actriz formidable y, además, lo transmite. Es espectacular".

Javier Bardem, ganador de un Oscar por No country for old men, se unió al reparto en el papel del extravagante Juan Antonio. "Posiblemente era el único actor del mundo que podía haber hecho este papel para mí", comenta Allen. "Quería a un español que fuera sexy, pero sin que tuviese esa belleza convencional de un actor de cine; quería que fuese algo más profundo que todo eso. Le he visto en otras películas y creí que era el mejor. Me ha encantado trabajar con él, no imaginaba que me fuese a pasar algo así en la vida".

Para el papel de Vicky, Allen buscaba a alguien con una personalidad opuesta a la de Johansson y a la de Cruz. "Juliet Taylor (la directora de casting) me dijo que tenía que conocer a Rebecca Hall", cuenta Allen. "En cuanto la vi, supe que Juliet tenía razón. Rebecca es de una belleza deslumbrante y tiene una enorme dignidad. Y, por supuesto, es una actriz maravillosa".

Patricia Clarkson, también nominada a un Oscar, interpreta el papel de Judy, la anfitriona de Vicky y Cristina en Barcelona. Para Allen, "es otro ejemplo de que he tenido la oportunidad de trabajar con alguien a quien he admirado durante mucho tiempo. Judy representa el camino que Vicky podría haber tomado al final, cuando te casas con una persona segura y no asumes riesgos. Si Judy pudiera volver atrás, no rectificaría. O quién sabe...".

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