CINE

SORPRESAS EN LOS GLOBO DE ORO

La 66 entrega de los Globos de Oro culminó con la coronación de De Pobre a Millonario (Slumdog Millionaire) como la película del año y firme contendiente al Oscar.

Entre las sorpresas de la noche estuvieron el premio a Mickey Rourke por su papel en the Wrestler y el doble triunfo de Kate Winslet en las categorías de Mejor Actriz de Drama y Mejor Actriz de Reparto

La británica Kate Winslet, con dos premios, por Sólo un Sueño y The Reader, y el australiano Heath Ledger, a título póstumo, fueron las estrellas de la gala de entrega de los Globos de Oro celebrada en Los Angeles, en la que De Pobre a Millonario (Slumdog Millionaire) se confirmó como la película del año.

En el apartado de televisión, destacaron los cuatro premios obtenidos por la miniserie John Adams y los tres recogidos por 30 Rock, la serie creada por Tina Fey, la famosa imitadora de la ex candidata republicana a la Vicepresidencia Sarah Palin, que también se ha llevado el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia.

Esta es la lista de los premios entregados por la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA):

Mejor película dramática: De Pobre a Millonario.
Mejor comedia o musical: Vicky Cristina Barcelona.
Mejor director: Danny Boyle, por De Pobre a Millonario.
Mejor actriz de película dramática: Kate Winslet, por Sólo un Sueño.
Mejor actor de película dramática: Mickey Rourke, por The Wrestler.
Mejor actriz de comedia o musical: Sally Hawkins, por Happy-Go-Lucky.
Mejor actor de comedia o musical: Colin Farrell, por En Brujas.
Mejor actriz secundaria: Kate Winslet, por The Reader.
Mejor actor secundario: Heath Ledger, por Batman: El Caballero de la Noche.
Mejor película de animación: WALL·E.
Mejor película extranjera: Waltz with Bashir (Israel).
Mejor guión: Simon Beaufoy, por De Pobre a Millonario.
Mejor canción original: The Wrestler, de la película The Wrestler, música y letra de Bruce Springsteen.
Mejor banda sonora: De Pobre a Millonario, de A.R. Rahman.
Mejor serie de televisión (Drama): Mad Men.
Mejor actriz en serie de televisión (Drama): Anna Paquin, por True Blood.
Mejor actor en serie de televisión (Drama): Gabriel Byrne, por In Treatment.
Mejor serie de televisión (Musical o Comedia): 30 Rock.
Mejor actriz en serie de televisión (Musical o Comedia): Tina Fey, por 30 Rock.
Mejor actor en serie de televisión (Musical o Comedia): Alec Baldwin, por 30 Rock.
Mejor miniserie o película para televisión: John Adams.
Mejor actriz en miniserie o película para televisión: Laura Linney, por John Adams.
Mejor actor en miniserie o película para televisión: Paul Giamatti, por John Adams.
Mejor actriz secundaria en serie, miniserie o película para televisión: Laura Dern, por Recount.
Mejor actor secundario en serie, miniserie o película para televisión: Tom Wilkinson, por John Adams.
Premio honorífico Cecil B. DeMille: Steven Spielberg.

 

MARTIN FIERRO CON SUS AIRES DE LA PAMPA LLEGA A LA CARTELERA

 

DISTRIBUIDORA AMAZONIA FILMS

Martín Fierro. Cuando la elección por la libertad y la dignidad trascienden

Martín Fierro, la película llega a las salas de cine venezolanas el próximo viernes 09 de enero gracias a la gestión del Ministerio del Poder Popular para la Cultura a través de la Distribuidora Nacional de Cine Amazonia Films, diversificando la oferta cinematográfica en nuestro país con obras universales y de gran contenido artístico.

Basada en la primera parte de "El Gaucho Martín Fierro" de José Hernández, la obra poética más importante de la literatura argentina, Martín Fierro, la película, es una adaptación cinematográfica animada para todo público, dirigida por Norman Ruiz y Liliana Romero, que cuenta con las ilustraciones del reconocido escritor y humorista Roberto Fontanarrosa, fallecido el pasado 19 de julio de 2007. Una producción a cargo de Aleph Media y Maíz Producciones que duró 2 años y contó con el apoyo de inversores privados españoles y del Icaa de ese país, del Incaa (Argentina) y de San Luis Cine y las universidades de Tres de Febrero y de La Matanza, entre otros.

En Martín Fierro, la película, se narran las trágicas aventuras del gaucho argentino Martín Fierro, un hombre común que se ve inmiscuido en los complejos hechos sucedidos a mediados del siglo XIX en la región que se llamó "El desierto" o "Tierra adentro" (que va desde La Patagonia hasta Córdoba y desde la costa bonaerense hasta El Cuyo), al ser reclutado para pelear contra el indio en la frontera patagónica y despojarlo de sus tierras, aniquilando la forma de vida gauchesca de criar ganado y recorrer las pampas libremente, a cambio de servir al ejército y los intereses particulares de quienes lo encabezan. Fierro, huye en búsqueda de su familia y es perseguido, convirtiéndose en víctima de los procesos políticos de ese momento, circunstancia que le señala un nuevo rumbo a su destino en la encrucijada histórica que enfrenta.

La historia expone lo mejor de la acción en sus escenas llenas de paisajes pintados al óleo, con diálogos característicos del habla típica de los gauchos de la Provincia de Buenos Aires de esa época, que hacen honor a la creación original de José Hernández, y un conglomerado actoral que con orgullo interpretan los retratos vívidos de los habitantes de la pampa argentina, que la convierten en una de las mejores en su tipo.

El elenco compuesto por los actores Daniel Fanego (Martín Fierro), Aldo Barbero, César Bordón, Héctor Calori, Claudio Da Passano, Cristina Fridman, Claudio Gallardou, José Adolfo Gaillardou (el Indio Apachaca), Isabel Quinteros, Claudio Rissi, Gabriel Rovito, Roly Serrano y Juan Carlos Gené, presta las voces que dan vida a todos los personajes que interactúan en esta súper producción en la que participaron más de 100 dibujantes. La música de la película, está compuesta y dirigida por Mauro Lázzaro, y fue grabada por 70 músicos de la Bratislava Simphony Orchestra, asimismo las canciones originales son interpretadas por Fernando Pécora, cantante del grupo musical Volador G.

Amazonia Films, con su misión de diversificar la cultura cinematográfica en Venezuela, se enorgullece en traer al público el largometraje Martín Fierro, la película, un animado que enaltece la obra literaria más importante de Argentina, que estará en las salas comerciales de nuestro país, presentando una magnífica oportunidad para deleitarse con esta pieza de inigualable calidad que marca un hito en materia del cine de animación en América Latina

GÈRARD DEPARDIEU UN TORRENTE DE HISTRIONISMO QUE NO SE DETIENE

Gèrard Depardieu el Gran Monstruo del Cine Frances

A sus 60 años mas vigente que nunca

Ha sido definido como una fuerza de la naturaleza, alguien que no se detiene ante nada o nadie y que se cree apasionadamente todo lo que hace. Y es que Gérard Depardieu, que el pasado 27 de diciembre ha cumplido 60 años, es un ser impaciente, enorme, incontrolable. Ha bebido y vivido la vida a tragos y ésta le ha concedido sus favores pero también le ha brindado sufrimientos. El último, la muerte de su hijo Guillaume -también actor- con quien nunca acabó de entenderse del todo.

Sólo una cosa puede competir en el actor francés frente a su amor al cine: el vino. Es propietario de una bodega propia en su localidad natal, Châteauroux, que cada año produce 180.000 botellas, y aprovecha cualquier viaje para catar los caldos autóctonos de cada país.
   
El Depardieu que llega a la sesenta, estrella internacional, empresario vitivinícola, productor de cineastas como Satajit Ray o distribuidor en Francia de las películas de John Cassavetes, empresario petrolero en Cuba, es un reflejo no demasiado diferente del muchacho rebelde y callejero de su adolescencia.
   
Nacido en el seno de una familia humilde, se trasladó muy joven a París para estudiar arte dramático. Allí vivió la bohemia de la capital francesa antes de conseguir pequeños papeles en el teatro, la televisión y el cine. Aunque su primera película data de 1965, hasta ocho años más tarde no logro su papel protagonista y el reconocimiento general. Fue gracias a "Los rompepelotas", una comedia desmadrada de Bertrand Blier, en la que compartió reparto con Patrick Dewaere y Miou-Miou.
   
Pero tal vez el salto al reconocimiento internacional se lo deba a Bernardo Bertolucci, que le eligió para interpretar el papel de Olmo, en "Novecento".
   
Pese a se cada vez más popular fuera de sus fronteras, el primer objetivo de Depardieu parecía convertirse en el número uno de su país, y lo logró. "¿Quiere ser el amante de mi mujer?" (1977), nuevamente con Dewaere y dirigidos por Blier, fue otro taquillazo. En los años siguientes, los mejores directores franceses e italianos se lo disputaron: Marco Ferreri ("Adios al macho"), Resnais ("Mi tio de América"), Truffaut ("El último metro" y "La mujer de al lado"), Pialat ("Loulou" y "Bajo el sol de Satán"), Comencini ("El gran atasco"), Vigne ("El regreso de Martin Guerre") o Marguerite Duras.
   
Los premios nacionales e internacionales no tardaron en lloverle. "Danton" de Andrej Wajda, le valió el premio al mejor actor del Festival de Montreal y el de la National Society of Film Critics. "Police", el de la Mostra de Venecia, y "El último metro" el César (equivalente al Oscar del cine francés).
   
Desde la década de los 80, Gérard Depardieu es la incontestable primera figura internacional del cine galo, y su mejor embajador fuera. Sólo a partir de entonces, se animó a probar una "aventura americana", con "Matrimonio de Conveniencia", de Peter Weir. Esta y sobre todo "Cyrano de Bergerac" y "1492: la conquista del paraíso" han sido sus más grandes éxitos populares. Ha hecho de Obelix en la saga “en carne y hueso” de las aventuras de Asterix y no ha parado de trabajar en Europa y Estados Unidos. Sus detractores dicen que es un ser egocéntrico y tremendamente ambicioso, y que esa febril actividad que le hace filmar por ejemplo este año hasta diez títulos es una forma de acumular más y más dinero, fama y cariño del público. 
Su difunto hijo le acusó de descuidar a su familia y de estar obsesionado con su carrera. Ambos tenían mucho en común y fueron como dos imanes con la misma polaridad: se repelían.

A los sesenta años, esa máquina sin frenos que es Gérard Depardieu, con sus 15 nominaciones al César (logró 2 estatuillas), su premio a mejor actor en Cannes y una nominación al Oscar, sigue su marcha a toda velocidad.

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AFRICALA VUELVE PARA MOSTRARNOS NUEVAS MIRADAS DE AFRICA

AFRICALA, SEGÚNDO FESTIVAL DE CINE AFRICANO EN VENEZUELA

AFRICALA,  historias de pequeños héroes cotidianos. 

Foto: Bertha Freitez

África representa mucho más de lo que estamos acostumbrados a ver y a oír. África, en palabras del gran viajero Ryszard Kapuscinski, no existe. ¨...África es un continente demasiado grande para describir, es un planeta aparte, es todo un cosmos heterogéneo al que por comodidad llamamos África¨. 

La naturaleza de este Festival se acerca seguramente a este pensamiento de Kapuscinski, porque el cine africano nos abre una pequeña parte de este cosmos: nos trae miles de pequeñas historias de la vida cotidiana. Historias donde somos espectadores de un  mundo sencillo, de vidas sencillas, de amor y desamor, de odio pero también de pasión. A través de este cine podemos conocer las expresiones de los rincones más olvidados, castigados y marginados de este continente, pero también las historias de amor que alimentan y entrelazan la vida diaria.

El objetivo de AFRICALA, que actualmente se realiza en México, Chile, Brasil y Venezuela, es unir culturalmente a África con el pueblo de Latinoamérica a través de su cine, pues creemos que este arte es muy valioso para ir desarmando lentamente los estereotipos y la mala información que a lo largo de la historia se fueron creando sobre el continente africano, un continente que pese al aporte que ha hecho a la humanidad, ha pasado solo a ser solamente una mancha negra en el mundo.

Debemos conocernos directamente: sin intermediarios, y así, redescubriendo al otro. podernos entender mejor a nosotros mismos.

Viajemos a África a través de su cine! 

PROGRAMACIÓN

Esta segunda edición constará de un Panorama contemporáneo del cine africano con 20 títulos entre ficciones y documentales. Se destaca la película experimental ’Faith’s Corner’, del director Sudafricano nominado al Oscar Darrell Roodt, quien filmó esta película con muy bajo presupuesto y en películas antiguas. En ’Faith’s Corner’ Roodt, se presentan los graves problemas sociales de la pobreza y del desempleo que enfrenta la sociedad sudafricana. Abderrahmane Sissako, referente del cine africano, estará representado por su película Heremakono, que muestra y plantea cuestiones acerca de las tradiciones y la modernidad, y al mismo tiempo revela lo irracional de un sistema mundial que pone a tanta gente al margen de la vida, oprimiéndola y excluyéndola de participar en la sociedad moderna.  Este año también se destacan dos películas de habla portuguesa: El Héroe del director angoleño Zézé Gamboa y El jardín de otro Hombre, del director mozambiqueño Sol de Carvalo. Esta última es el primer largometraje filmado en Mozambique en los últimos 25 años.

En el panorama documental, se presentará ¨Cuba, una odisea africana¨, trabajo inédito de dos horas de la realizadora franco-egipcia Jihan el-Tahri, una película de carácter épico y a la vez austera y sobria, que revela la increíble epopeya cubana en África. Jihan nos ofrece, de manera justa y minuciosa, el por qué y el cómo de la ayuda prestada a África por Cuba (450.000 hombres durante todo el período). Celebrando los 60 años de la declaración de los derechos humanos de las Naciones Unidos, la diversidad sexual será un tema relevante. En África la homosexualidad es ilegal para los gays en 29 países y para las lesbianas en 20. En algunos casos es penada con la muerte. La situación legal demuestra en muchos de los casos la violenta homofobia que se vive en el continente. Como homenaje a esta comunidad se presentará el documental sudafricano ¨Simón y yo¨ de Bev Ditsie & Nicky Newman. Ravneet Chadha nos trae de Kenia su multipremiado cortometraje ¨Subira¨,  una tierna historia para poder entender mejor el mundo musulmán. Con el corto ¨Te amo¨, de Rogerio Manjate, veremos un acto de amor, un encantador juego de historias que tiene lugar en Mozambique con el mensaje de la lucha contra el HIV.

Este año tendremos el honor de disfrutar películas pertenecientes a una corriente impulsora de la cinematografía africana. “Nha Fala”.  Es un homenaje a Ousmane Sembene, padre del cine africano a quien le rendiremos un tributo, así mismo en esta II Edición de Africala en Venezuela contaremos con la presencia desde Mali de una gran personalidad africana como lo es la señora: Foutoumata Coulibaly, actriz y realizadora maliense que ha forjado su trayectoria en el campo de la actuación y de la dirección de películas.

Desde Guinea Bissau, disfrutaremos de filmes de uno de los pioneros del cine en África: como lo es el director Florentino Flora Gómez, quien ha profundizado en las raíces culturales de su continente, para presentar la esencia de una cinematografía que nos muestra una África emergente y positiva. Flora presenta "Los ojos azules de Yonta" en la que da un panorama sobre el conflicto entre las generaciones que vivieron la guerra y las nuevas generaciones.  

SECCIONES 
En su segunda edición, el Festival se propone nuevamente dar una mirada general a la producción cinematográfica africana contemporánea, con el objetivo de que el público pueda acercarse a esta cinematografía de una manera fresca y sencilla.  

La programación contempla las siguientes secciones:

* Panorama Contemporáneo del Cine Africano

Un repaso a la producción del cine africano más reciente, con películas mayormente premiadas en los festivales de cine internacionales. 

* Tributo a  Ousmane Sembene: el padre del cine africano 

AFRICALA rendirá homenaje al padre del cine africano, Ousmane Sembene, el cineasta y escritor senegalés que fue una de las figuras fundamentales del despertar cultural africano postcolonial. La maestría y originalidad de Sembene, ha sido la inspiración de posteriores generaciones de directores africanos.  Se proyectará su última película ¨Mooladé¨, donde podremos disfrutar junto a su actriz protagónica Fatoumata Culibaly. ¨Mooladé¨ quien nos visita y nos trae un tema muy polémico: la ablación, un ritual que se sigue practicando en más de 38 países africanos. Es la segunda entrega de la trilogía llamada “Heroísmo cotidiano”. La tercera parte de esta trilogía no pudo ser concluida por Sembene pues falleció el 13 de junio del 2007. 

* Proyección especial: 60 años de derechos humanos 

Con motivo de la celebración de los 60 años de la Declaración de los Derechos Humanos de la ONU, esta sección brinda homenaje a un sector más vulnerable del continente Africano: gays y lesbianas quienes día a día sufren la persecución sexual en países que penaliza con la muerte o la prisión perpetua la libertad sexual. Se proyectará Simón y Yo de Bev Ditsie y Nicky Newman. También el corto ¨7 años¨ de Bram Vergeer. 

INVITADOS ESPECIALES

Fatoumata Coulibaly (Mali)

Nacida en Bamako en 1958, esta actriz y realizadora maliense ha forjado su trayectoria en el campo de la actuación y de la dirección de películas de cine africano. Su primer rol principal lo interpreta en la película “Filon d’or” del Director Sidy Diabate en 1994. Como directora, ganó el Premio Imágenes de Mujeres, del Festival Miradas de África, por su primera ficción “N’Golo dit papi”, en el año 1998 y al año siguiente, el Premio de Cooperación Francesa de la Fespaco. Su documental “Farabiriqui” recibió en el 2000 el Premio de Mejor Película de Video en el Festival de Berlín. En el 2002, cuando protagoniza “Mooladé” de Sembene Ousmane, Coulibaly se consagra como actriz ante la escena internacional, y desde entonces es siempre invitada de honor en diferentes Festivales de Cine a nivel mundial. 

EVENTOS ESPECIALES: 
 

Seminario:  

BREVE HISTORIA DEL CINE AFRICANO:  LA REALIDAD DE UN CONTINENTE A TRAVÉS DE SUS IMÁGENES 

Dictado por Flavio Florencio, director de AFRICALA. 

Este seminario propone un repaso del cine africano y de su contexto histórico: desde su  nacimiento hasta su panorama contemporáneo. A través de la proyección de películas, se profundizará en  un arte poco conocido y fuera del circuito comercial del cine.  El objetivo de este seminario es ofrecer al público un repaso general de la historia del cine africano, romper con los estereotipos creados sobre África por el cine occidental, dar a conocer la situación actual del cine, y su marginación en el mercado internacional, y acercar al público a la reflexión y al quehacer cinematográfico con la participación de directores y actores.

* MEMORIA AFRICALA  2007/08

Desde su creación en la Ciudad de México en abril del 2007, Africala ha logrado posicionarse como el foro más importante de cine africano de Latinoamérica. Actualmente Africala es el único festival de cine puramente africano de América Latina. Habiendo pasado con éxito la primera edición, donde se reunió una asistencia de 5.000 personas, el segundo país que visitó fue Venezuela donde el público le dio una gran acogida. Posteriormente la muestra viajó a Chile, presentándose en la Cinemateca de Santiago y otras sedes. En Brasil, Africala se presentó en la Cinemateca de San Pablo en el mes de noviembre con un gran éxito, marcando así los primeros pasos para la difusión de un cine africano de orígenes lusofonos. Paralelamente, Africala también se encuentra trabajando en la difusión del cine Latinoamericano en África, presentando varios títulos en los Festivales de Cine de Tanzania, Kenia y próximamente Sudáfrica. En el 2009 realizaremos la Primera semana de cine Latinoamericano en Zambia, Botswana, Mozambique, y Sudáfrica. 
 
 

ORGANIZADORES 

Flavio Florencio, Director, [e-mail] 

Flavio Florencio (Buenos Aires, 1979). Estudia Filología Árabe en la Universidad de Barcelona y más tarde incursiona en el Cine documental. Luego de varios viajes por el continente Africano se apasiona con su cinematografía. A partir del 2005 se incorpora al staff del Festival Internacional de Cine de Zanzíbar (Tanzania), trabajando como parte del departamento de programación, y en junio del 2007, se convierte en su Embajador para Latinoamérica. Esta experiencia le sirvió para organizar el primer festival de cine africano de Latinoamérica: AFRICALA. Este Festival actualmente tiene sus ediciones en la Ciudad de México,  Santiago de Chile, Caracas-Venezuela y San Pablo Brasil.  

EL GUIÓN DE CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

 

En el marco del 1er Encuentro Latinoamericano de guionistas

 

4to Festival de Cortos de Barquisimeto 2008

 

Ponencia de Carlos Díaz (Guionista de Habana Havana, Co-guionista de Tocar y Luchar entre otros.)

 

Hay historias cortas e historias largas. No menos cierto es que las historias duran justo el tiempo que requieren para ser contadas. Cuando en una película ese tiempo es breve, nos encontramos en el paraíso narrativo del cortometraje ¿Pero qué tan breve puede ser una historia cinematográfica para que sea considerada un cortometraje? Al respecto, la entrada de la palabra "cortometraje" en la Wikipedia arroja la siguiente respuesta, que me parece adecuada: "Si bien no existe una norma estricta, una posible clasificación por tiempo podría hacerse de este modo: La duración de los cortometrajes va desde menos de un minuto hasta los 30 minutos. Las películas de entre 30 y 60 minutos son mediometrajes. Según la Real Academia Española, a partir de una hora de duración se las considera largometrajes". Digamos, entonces, que cuando decimos cortometraje estamos hablando de películas de no más de treinta minutos de duración.

¿Qué espera un espectador de una película así? Más allá de la duración per se y volviendo sobre aquella idea de que cada historia dura el tiempo justo que requiere para ser contada (sea éste breve o largo), podríamos decir que un espectador espera de un cortometraje lo mismo que un lector espera de un cuento: una buena historia que lo atrape. Uno puede saber de antemano cuánto tiempo durará la película que va a ver, pero la verdad es que una vez que ésta comienza ya no pensamos en eso, sino que maravillosamente nos imbuimos en la narración; y si al finalizar la película sentimos una enorme satisfacción, la duración de su historia será incluso lo menos importante, porque "si se trata de una buena historia habremos navegado por el tiempo sin ser conscientes del tiempo", parafraseando a McKee. Más que la duración, pareciera ser el sentido de la narración y su efecto lo más importante de una historia cinematográfica[1]; sin embargo, sentido y duración se hallan estrechamente relacionados.

 

De cara al espectador, hemos dicho que lo que éste espera de un cortometraje es una buena historia que lo atrape (algo que también se espera de un medio y largometraje). De cara al cortometraje, éste busca lo mismo que busca toda película: "llevar a su público a una más profunda implicación para mantenerlo inmerso en ella y finalmente recompensarlo con una experiencia emocionante y llena de significado"[2]. La realización de este propósito en no más de treinta minutos es un trabajo arduo, y es clave para comprender aquello que le otorga al cortometraje su sello distintivo.

 

Cada una de las partes de este propósito debería ocurrir lo más pronto posible en un cortometraje, especialmente llevar a su público a una más profunda implicación, pues de lo contrario el tiempo transcurriría peligrosamente sin lograr, siquiera, mantener inmerso al espectador; si esto no se lograra, un final inminente sería su mejor recompensa, aunque no sé que tan emocionante y llena de significado pueda ser esa experiencia. Desde el fenómeno netamente temporal de la duración, el cortometraje cuenta con menos tiempo para preparar y mostrar esa emocionante experiencia llena de significado que es el final de la historia; es allí donde entreveo el rigor del cortometraje.

Pero ese rigor es también un reto que puede resultar satisfactorio. Las posibilidades narrativas de las imágenes en movimiento para producir sentido y emociones son, tal vez, infinitas. El guionista de un cortometraje debe explorarlas hasta dar con aquellas que presenten su historia en el menor tiempo posible y con la mayor carga de significado y emoción. Un personaje cuya situación de vida esté a punto de cambiar de manera irreversible podría, por ejemplo, ofrecernos la posibilidad de una rápida implicación del público si somos capaces como espectadores de entender inmediatamente lo que está en juego para el personaje, así como la magnitud de ese acontecimiento; aquello que perderá o ganará, aquello que cambiará en él para siempre. Por otra parte, los personajes tienen una humanidad que se puede compartir universalmente con el público. Desde el pasado personal, hasta el deseo, el carácter y el temperamento, son muchos los rasgos que pueden servirnos para lograr una identificación temprana con los personajes de una historia. Esta circunstancia le entregaría de manera inmediata al espectador el contexto que le otorga su sentido a las decisiones tomadas por el personaje.

Otra manera de entender esto es desde la constitución de la escena. Tosa escena presenta una situación cuya estructura está conformada por un lugar (físico) en donde transcurre una acción con significado en un tiempo específico. Si esa situación se muestra de una manera que pueda ser comprendida instantáneamente, dejando abierta solamente la expectativa de la acción final (que llevará a cabo el personaje), habremos sido nosotros los espectadores, quienes, sin darnos cuenta, aportemos el contexto de sentido a partir del cual todas las acciones que ejecute el personaje cobran significado.

En el caso del cortometraje, éste nos obliga desde el principio de su propuesta narrativa a ir lo más pronto posible a aquella situación que constituye el corazón de la historia: su esperado y poderoso clímax narrativo. La pertinencia  de esta premura es importante cuando recordamos la duración del cortometraje, pero también cuando recordamos que una historia no es un simple cúmulo de datos unidos en una narración, sino un diseño de acontecimientos que nos debe dirigir hasta un clímax que tenga significado.   

Pero llegar al clímax no significa alcanzar un momento breve y explosivo, significa producir un cambio profundo. Para ayudar en ese propósito (marcadamente limitado por su duración), el guión de cortometraje debe construir la carga simbólica de las imágenes de la historia desde lo particular hacia lo universal, desde lo específico hacia lo arquetípico. Citando a McKee: "Una buena historia que esté bien contada creará una buena película. Una buena historia que esté bien contada y cuente con el poder añadido de un simbolismo subliminal llevará la narración hasta el siguiente nivel de expresión y la recompensa podría ser que se convierta en una película fabulosa"[3].    
 
 

Carlos Díaz

Barquisimeto,  miércoles 03 de diciembre de 2008-12-03

(IV Festival de Cortometrajes de Barquisimeto)

[1]El sentido de la narración está referido al grado de comprensión que alcanzamos con la historia; y su efecto, a la repercusión de la narración en nuestras emociones como espectadores de la historia

[2] McKee, Robert (2002)

[3] McKee, Robert (ibidem, 2002)

PREMIOS DEL 4TO FESTIVAL DE CORTOS BARQUISIMETO 2008

Onda Corta se llevo el mayor premio de la noche

El primer premio al Concurso de guiones para cortometrajes, fue compartido entre “Santos Rivolba” de Alberto Alcalá de Barquisimeto y “La esperanza también se añeja” de María Elena Morán Atencio del Zulia. Samuel Henríquez Larrazábal obtuvo un reconocimiento especial por su guión “El encuentro”.

• GRAN PREMIO CNAC LA FLOR DE VENEZUELA, AL MEJOR CORTOMETRAJE DE LA MUESTRA: “Onda Corta” de Carolina Vila.
• MEJOR CORTOMETRAJE FICCIÓN: “Tú, no yo” de María Gracia Saavedra
• MEJOR CORTOMETRAJE DOCUMENTAL: “San Juan, las voces ocultas de la devoción” de Henry Ramírez
• MEJOR CORTOMETRAJE DE ANIMACIÓN: “Cleo” de Ana Sanabria y Michelle Fernández.
• PREMIO ESPECIAL “AMÁBILIS CORDERO” PARA EL MEJOR TRABAJO ESTUDIANTIL NACIONAL (PREMIO VISOR): “El amparo: 20 años de impunidad” de Rafael Uzcátegui.
• PREMIO ESPECIAL PARA MEJOR TRABAJO ESTUDIANTIL REALIZADO EN BARQUISIMETO (PREMIO CIECA): “El utópico: se busca vivo o muerto” de Rubén Armando Urbano.
• MEJOR PRODUCCIÓN: Carolina Vila en “Onda Corta”
• MEJOR DIRECCIÓN: León Klein en “La tengo, no la tengo”
• MEJOR GUIÓN: María Gracia Savedra en “Tú, no yo”
• MEJOR DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA: Gerard Uzcátegui en “Bosque Mori”
• MEJOR SONIDO: David de Lucca en “San Juan: las voces ocultas de la devoción”.
• MÚSICA ORIGINAL: Lino Ocando en “Bosque Mori”
• MEJOR ACTOR: León Klein por su actuación en “La tengo, no la tengo”.
• MEJOR ACTRIZ: Manuela Jiménez por su actuación en “La hora justa” de Sergio Rojas.

Reconocimientos especiales para:

• “Discapacitados” de Samuel Henríquez
• “Sor celeste” de Lourdes del Carmen Moreno.
• “La cruz que más pesa” de Luis Villegas y Margarita kissy
• “Josefa Camejo: heroína del tricolor mirandino” de Raúl Ávila

Los Ganadores del II ANIMATÓN para niños, niñas y adolescentes en la categoría infantil fueron: primer lugar para Juan Luis Pérez, segundo lugar, María Alejandra Jaramillo y un reconocimiento especial para José Cabral. En la categoría juvenil, el primer lugar fue para Gian Franco Pagano y un reconocimiento especial para Jean Paul Pagano.

En la fotografía el primer lugar lo obtuvo Juan Pablo Márquez con su obra: “No quiero Morir” inspirada en la película 13 SEGUNDOS de F. Fadel y el segundo lugar, Karen Gutiérrez Sarmiento con la obra “Concentración inclemente”, inspirada en el corto “ME DICEN DRUPI” de Jeissy Trompiz.

El primer premio al Concurso de guiones para cortometrajes, fue compartido entre “Santos Rivolba” de Alberto Alcalá de Barquisimeto y “La esperanza también se añeja” de María Elena Morán Atencio del Zulia. Samuel Henríquez Larrazábal obtuvo un reconocimiento especial por su guión El encuentro

CINE CLUB CHARLES CHAPLIN CELEBRA 32 AÑOS LLENOS DE MAGIA

32 Años llevando el mejor cine

1976 al 2008 laborando ininterrumpidamente

 Este cine club nació como una  respuesta inteligente y civilizada, al atropello cometido por el sector oficial (gobierno regional de 1975), contra el entonces denominado CINECLUB DEL ESTADO, cuando su director era el Profesor Juan Arcadio Rodríguez, el cual  fue removido de su cargo sin explicación alguna.

 

Luego, gracias a la iniciativa de algunos Abogados, que para aquel entonces formaban la Junta Directiva de este gremio, entre los cuales destacaban el Dr. Jesús Cordero Giusti, el Dr. Valentín Castellanos y el Dr. Pablo Chiossone, se echo a andar este proyecto que era poco menos que una aventura, puesto que el Colegio de Abogados no tenía ninguna experiencia en esta clase de actividad y no se conocía ni podía conocerse la reacción del público, frente a esta clase de eventos.

 

Deliberadamente se escogió el nombre de Charles Chaplin, ya que además de representar la quintaesencia del arte cinematográfico, el también había sido hostigado y maltratado por el sistema y era un paradigma de honestidad y dignidad, frente a los poderosos y al autoritarismo.

 

Bajo el lema "TODO EL BUEN CIN, EL BUEN CINE DEL MUNDO, SIN FRONTERAS, SIN MIEDOS...", se inició la actividad un miércoles 26 de Mayo de 1976,  con la proyección del maravilloso filme: "EL GRAN DICTADOR", escrita, dirigida y protagonizada por Sir Charles Chaplin. Demás está decir, que la respuesta del público fue abrumadora y contundente. Por su pantalla ha pasado el mejor cine del mundo. Las grandes cinematografías como la de Alemania, Francia, Suecia, Noruega, Inglaterra,  Italia, España, Portugal, Hungría, Polonia, Checoslovaquia, Rusia, Japón, India, además de los países latinoamericanos como: Argentina, Perú, Colombia, Cuba, Chile, Bolivia, Brasil, Panamá, Nicaragua, México, Puerto Rico, Haití  y por supuesto la cinematografía dominante de USA, han mostrado lo mejor de ellas, sin censuras y sin ningún tipo de discriminación.

 

La cinematografía venezolana ha sido apoyada ampliamente, exhibiendo el trabajo de los cortometrajistas que como héroes de las Termópilas, siempre están corriendo detrás de los exhibidores para que les den un trocito de pantalla en sus salas. También el cine-club ha mostrado con ánimo polémico, como debe ser, las películas más perseguidas y censuradas por la jerarquía  oficial y cristiana nacional; nos referimos a: "LEDEZMA: EL CASO MAMERA" de Manuel Correa y a "MANUEL" de Alfredo Anzola.

 

En cuanto a los filmes "malditos", no hemos vacilado en exhibirlos sin  corte alguno y con toda la orientación debida. Así que títulos como: "QUERELLE" de R.W. Fassbinder, "SALO" de P.P. Pasolini y  "LA ULTIMA TENTACION DE CRISTO" de Martín Scorsese, hallaron un público adulto, liberal, comprensivo, inteligente y tolerante frente a estas manifestaciones tan extremas del cine transgresor.

Cabe destacar también que no hemos descuidado la educación cinematográfica del público. Con la cooperación de Instituciones de Educación Superior del Estado, hemos organizado varios cursos de Capacitación Cineclubística y además, los cursos de Apreciación Cinematográfica, los cuales fueron dictados por personas tan calificadas como: Fernando Rodríguez, Juan Nuño, Perán Erminy y Rodolfo Izaguirre.

  

El  cine club, desde sus inicios ha contado con un equipo de trabajo maravilloso, responsable y muy profesional, el cual ha demostrado un  profundo amor y respeto por el espectador. En los primeros años de vida del cineclub, estuvo haciendo simultáneamente las funciones de coordinador, relacionista público, proyeccionista y presentador, su fundador, el profesor Juan Arcadio Rodríguez, el cual proyectaba películas en  formato de 16 mm, que era el equipo de proyección con el que contaba el Colegio para la época. En el transcurso de los primeros meses de iniciada las actividades se integra al equipo de manera de colaborador el amigo Vasil Chimochenko y como asistente de proyección de Juan Arcadio, su hijo Juan Luis, un niño de apenas 12 años. El profesor Vasil, nos relata que para aquel entonces, él ya asistía con regularidad a las funciones de los miércoles, y observaba que cuando Juan Arcadio no traía a su hijo, terminada la función, éste se quedaba ingrimo y solo, recogiendo los cables de sonido, la corneta, la  pantalla, etc en la sala del Colegio. Desde aquel momento, Vasil lo ayuda recogiéndole los accesorios del equipo de proyección así como le ofrece amablemente la colita en su automóvil para la casa de la 30. Con el paso del tiempo Juan Arcadio y Vasil  se hacen grandes amigos, y conjuntamente diseñan y elaboran religiosamente, semana a semana, el denominado programa de mano o ficha técnica. Vasil  se convierte en el "transportista oficial" del Sr. Arcadio, como el mismo le decía.

 

En el año 1980, Juan Arcadio, le presenta a la Junta Directiva del Colegio de abogados, encabezaba por el Dr. Jesús Cordero G. el proyecto de adquisición de unos proyectores de 35 mm, de fabricación japonesa, la cual fue aprobada, y es así como se comienzan las proyecciones en este formato, el cual le imprimía al cine-club una gran calidad  y una mayor cobertura,  abriéndole  mayores posibilidades a la exhibición de películas de todas las nacionalidades que no eran proyectadas en las salas comerciales, dado su contenido y calidad estética. El primer proyeccionista de 35 mm con que cuenta el cine-club fue el joven Carlos Catarí, el cual se destacó por su alto sentido de responsabilidad y por su profesionalismo. Admirable es el dato, (diríamos que para el libro de records Guinnes), que Carlos, nunca falló, ni llego retardado a una proyección durante casi los 11 años de labores en el cine club. Luego, por problemas de horario de trabajo en la empresa donde laboraba en la Zona Industrial, el amigo Carlos, tiene que retirarse de sus labores como proyeccionista y es entonces cuando recomienda al Sr. Jorge Cárdenas, a su hermano Freddy y a  la  esposa de Jorge (la Sra. Elena), para las labores de proyección, taquilla y portería  respectivamente. De ese hecho, hacen ya unos 12 años, y desde entonces pertenecen al equipo del Cine Club. Todas las personas mencionadas anteriormente han demostrado una gran capacidad, seriedad y un alto sentido de la responsabilidad en sus labores e incluso han colaborado de manera desinteresada con el actual coordinador, el Sr. Juan Luis, en actividades diversas como de seleccionar y darle publicidad a las películas.

 

Como proyectos futuros, la coordinación del cine-club tiene los siguientes:

 

a) Reactivar  a corto plazo las proyecciones de películas en 35 mm, con una frecuencia de al menos un(1) filme al mes.

 

b) Programar ciclos de grandes directores (como se hizo en el pasado) de: A.Kurosawa, S. Kubrick, I. Bergman, etc, así como de los grandes clásicos del séptimo arte, con la ayuda de la Fundación Cinemateca Nacional, y mediante convenio con la Biblioteca Pública Central "Pío Tamayo" .

 

c) Adquirir una serie de clásicos del cine en formato de DVD, que conforman la colección que ha sacado al mercado la Fundación Cinemateca Nacional.

Pero estos planes, solo serán una realidad si la actual y las futuras Juntas Directivas sigan apoyando incondicionalmente al Cine club, así como también es fundamental que el público cinéfilo,  con su constante asistencia siga apoyando nuestro trabajo.

 

                                       Juan Luis Rodríguez C.

                                       Barquisimeto, Mayo de 2008

EL CLOSE UP DE ARMANDO COLL

Por: Adriana Ciccaglione (El Impulso)

El comunicador social, escritor y guionista Armando Coll se encuentra en Barquisimeto con motivo del IV Festival de Cortometrajes. Conversamos sobre su nueva novela Close UP editada por Alfagura. También sobre sus proyectos cinematográficos y el éxito de El tinte de la fama, película escrita por él.

 Coll ofreciò , en el Encuentro de Guionistas Latinoamericanos, la ponencia ¿Cuáles son nuestras fortalezas y carencias para formar buenos guionistas?  

La historia de una relacionista pública y un periodista de la fuente de espectáculo y cultura, puede parecer simple y sencilla. Sin embargo, cuando se conocen de cerca los detalles de ambos personajes, sus debilidades, temores y fortalezas, atrapa a quien tenga el relato en sus manos.

Eso ocurre con la novela de Armando Coll, Close Up, una publicación de 214 páginas, editada por Alfaguara.

Cada una de esas hojas van narrando y describiendo "la historia de una amistad no convencional entre un hombre y una mujer. No se acostumbra a que sean amigos sin llegar al propósito erótico, en la novela se presenta a un periodista de 40 años, con una señora que es mucho mayor que él", comenta el autor.

Gloria Suárez es el personaje central de Close Up. Ella se encarga de cautivar con los detalles de su vida a quien desee conocerla.

-¿Quién es Gloria, existe Gloria Suárez?

-Sería una buena idea para los editores, que colocaran una publicidad preguntando: ¿Ya te enteraste quién es Gloria? Sí existe, pero en las páginas de la novela. Empleé una técnica naturalista al momento de escribir y al igual que los pintores utilicé modelos, pero no uno solo, sino varios. Hay diversas mujeres en ese personaje y mucho de mi también en la obra.

-Un personaje se llama Augusto Márquez, es periodista de la fuente de espectáculos y cultura. ¿Es una autobiografía?

-La gente siempre hace la asociación porque fui periodista de espectáculo y de cultura. Tuve esa vida bohemia que presenta Márquez, en una época de mi vida. Ciertamente hay rasgos míos, pero en esencia es ficción. Es una novela y mi inspiración no era poner en evidencia a nadie, sino netamente literaria.

Uno siempre escribe sobre lo que ve y conoce, describió. En medio de la narración que todo el mundo asocia con realidades inmediatas, hay un subtexto que apunta hacia lo que son mis inspiraciones literarias, los clásicos que he leído y me han formado, nombres de músicos, géneros.

En esta historia Augusto Márquez se acerca a Gloria. Él tiene 40 años y ella es mucho mayor. En una amistad tan estrecha y frecuente, siempre existe la posibilidad erótica, pero si quieren saber si existe este vínculo, debe leer Close Up.

-Lo que sí puedo decir, es que Márquez o el reportero estrella como lo define Gloria Suárez, se expresa de ella como amiga, hermana y madre, de todo menos amante. Él se da cuenta que si va más allá, esa amistad se daña.

-¿Por qué Close Up?

- Es un Close Up de este personaje. Es la narración de una amistad y está dedicada al servicio de la construcción de un personaje, es un acercamiento de Gloria Suárez. Dedico un epígrafe en inglés que dice "I’m ready for my Close up Mr. De Mille", del mítico filme Sunset Boulevard.

-¿En cuánto tiempo la escribió?

-La empecé siendo jefe de la página cultural de El Nacional. Después que cerraba el periódico, me quedaba escribiendo. Luego la continué en mi casa con más reposo y calma. El proceso total se llevaría dos años.

-En relación a Caracas, describe muchos lugares que ya no existen y a la ciudad como tal. ¿A qué se debe?

- Soy un provinciano de Caracas, esta ciudad es mi liquido amniótico. Soy hijo y nieto de caraqueños. He vivido en el exterior, pero hoy en día siento que no me podrán sacar nunca de la capital. En la novela hay un tono de añoranza y melancólico, con espacios que se han perdido y que están dentro de la novela. Éstos han sido ocupados por la marginalidad o por rascacielos inútiles. Es un llamado de atención.

La fama tiene color

La película del director venezolano Alejandro Bellame, El tinte de la fama fue estrenada este año y logró convertir en un éxito nacional e internacional. Ha sido escogida para representar a Venezuela en la preselección del renglón de Mejor Película Extranjera de los Premios Oscar de la Academia estadounidense.

El guión del filme fue escrito por Armando Coll, donde se representa la vida de Marilyn Monroe, a través del sueño de una venezolana.

- ¿Cómo surge El tinte de la fama?

- Alejandro Bellame me llamó con una idea original, que era el caso de Magaly, la protagonista, la falta o el déficit de identidad y amor propio. Cualquiera de nosotros en menor o mayor medida lo puede tener, sobre todo las personas jóvenes como la protagonista, quienes están ganados al exhibicionismo, están desesperados a pegarse a la moda y una obsesión por la apariencia.

-Los diálogos son fuertes, aunque es un filme no convencional, también muestra la pobreza venezolana...

-Lo apuntó una crítica cinematográfica en una página de Internet que se llama Entérarte. Ciertamente la película asoma otra cara de la pobreza, que no es la del rancho, el fuego cruzado,el malandro que mata gratis a otro, o la violencia de los motorizados. Ni si quiera hay violencia, hay pobreza de una clase media venida a menos, que se vive en la ciudad y eso fue lo que quisimos reflejar.

Hay una crítica a la sociedad de consumo y al éxito como fama y no como logro, recalcó. La fama a cualquier costo, hay personas que matan a otras para llegar a ella, ese es un extremo. Al momento de escribir el guión todo fue tremendamente difícil. Puse especial atención al desarrollo psicológico de los personajes y en el diálogo entre ellos, porque de las imágenes se ocupa el director. Los caracteres, el temperamento, las conversaciones creíbles, más no surrealistas y llenas de groserías. No es necesario, se sabe que la gente habla así y que dicen vulgaridades, no tenemos porque llevarlo al cine. No pongas a tus personajes a hablar tan mal, como se hace en la calle.

-¿Qué proyecto cinematográfico tiene actualmente?

-Estoy trabajando con Diego Rízquez en su próximo largometraje. Estamos en la etapa del guión. Siempre trabajo con el director, no lo hago solo.. Uno puede escribir un libreto en forma independiente, pero el día en que se lo entregues, empezará a realizar cambios. Lo mejor es trabajar juntos de una vez, aunque el que teclée y escribe soy yo.

Sigo siendo un periodista y nosotros no paramos de aprender. Siempre lo estoy haciendo por eso no me aburro.

Periodismo cultural

Armando Coll es comunicador social egresado de la Universidad Católica Andrés Bello (UCAB). Fue periodista de la fuente cultural en los periódicos El Diario de Caracas y Economía hoy. También fue jefe de información cultural en El Nacional.

- ¿Cómo ve en la actualidad el periodismo cultural?

- Pienso que los grandes medios impresos, que era el espacio por excelencia no sólo para la noticia cultural, sino también donde se daban debates sobre literatura, música, cine, artes plásticas y se hacían críticas, lamentablemente, hoy en día, es inexistente.

Se ha desplazado esos contenidos y debates hacia los blogs e Internet, afirmó. En Venezuela se ha sentido últimamente la ausencia del pensamiento, la discusión, la difusión del quehacer artístico y es un fenómeno que tiende a ser mundial.

Si bien aquí ha sido más dramático, relató, siento que los editores se equivocan al creer que van a captar más lectores que nunca tendrán, publicando constantemente borracheras de cantantes adolescentes gringas, con portada a color. Uno se pregunta ¿Qué ha hecho está cantante para merecer esto?, mientras que adentro encuentras una nota con menos de 45 centímetros sobre los 80 años de Carlos Fuentes.

"No quiero dejar todo el peso encima de los editores. Hay tendencias que ellos quieren atender, pero pienso que la frivolización y farandulización de la cultura no es el camino. Sacan como noticia que Gabriel García Márquez dijo que se sentía como una uva y no encuentras profundidad en la nota. Estando como jefe ya sentía esa pérdida y salgo precisamente por entrar en conflicto con esa tendencia. Espero que las cosas mejoren".